CRONACHE 2009
artiste nel mondo
(segnalazioni artistiche di Nadia Magnabosco e Marilde Magni )

sino al 14 febbraio 2010

Gender Check
Femininity and Masculinity in the Art of Eastern Europe

MUMOK Museum of Modern Art
Ludwig Foundation Vienna
www.mumok.at

'Gender Check' is the first comprehensive exhibition featuring art from Eastern Europe since the 1960s based on the theme of gender roles. 20 years after the fall of the Berlin Wall, the curator Bojana Pejic, along with a team of experts from 24 different countries, has put together a selection of over 400 works including paintings, sculpture, installations, photography, posters, films and videos. With over 200 artists, the exhibition paints an exceptionally diverse picture of a chapter in art history that until recently had been largely unknown and that could also act as an important addition to contemporary gender discourse.

'Gender Check' follows the changes in the representation of male and female role models in art – especially as they develop under different socio-political conditions. The exhibition, initiated and supported by the ERSTE Foundation, shows the interrelationship between art and history following both a chronological and thematic approach:

Up into the 1960s, heroic male and female workers were the dominant figures in the socialist realist tradition of art. The intended realitytransforming program of a 'sexless society' propagated by the state was met with irony and unmasked by unofficial art at the time. Following the period of collective state utopian aesthetics, different individual and more open tendencies could be found on a local level – periodically provoking a hostile response – that created independent spaces for nonconformist art. Beginning in the 1970s, ideals of femininity and masculinity were reexamined beyond the propagandist clichés of the past: Self-portraits and representations of the body and subjectivity began to hint at a newfound self-confidence also reflected in openly displayed sexuality that called heterosexual standards and heroic ideals of masculinity into question. Even many of the abstract pieces worked with anthropomorphic forms and the relationship between the sexes within society.

The emancipation from role models went along with an emancipation from traditional means of expression, as new media and art forms like photography, film, video and performance became increasingly important. At the same time, more and more female artists began to gain in prominence.

With the fall of the wall in 1989 and the end of socialist regimes, new challenges became evident in the face of rising nationalism and neoliberal influences from the west. The newly won freedoms came hand in hand with neoconservative role constraints that soon also became the topic of artworks. A critique of chauvinist, militaristic, misogynist and xenophobic ideologies were expressed in the context of feminist theory. Homosexuality began to be brought up. Clichés about motherhood and traditional religious-inspired ideals of femininity and patriarchal power structures came under critique. To underline the political and public significance of female identity, allusions came to be made to historical allegories of femininity.

Curator Bojana Pejic

n.m.

_____________________________

sino al 7 gennaio 2010

INDOMITABLE WOMEN SHOW
Audiovisual Selection of the Barcelona Art Contemporari Festival 10.0 – Pandora’s Box

CCCB ·Centre de Cultura Contemporania de Barcelona
c/ Montealegre, 5, 08001, Barcelona, Spain

Curator: Macu Morán · Curatorial Assistant: Francesca Tusa

Curated by Macu Morán, the Indomitable Women exhibition gathers a selection of audiovisual artworks developed within the past four decades, in an attempt to glimpse the ethereal something that is a backdrop to the feminine artistic praxis. Homage to those passionate artists who fearlessly redefine contemporary aesthetic and thought, taking us all towards new futures, conceived for an advanced, dynamic and multi-faceted society.

Passion is the basis and sustenance of this exhibition. Impulses from women with very different stories, beating for so many other beings, finally brought into the practical philosophy that art invites with an admirable passion. The selection certainly bespeaks of a passionate process, throughout proposals and reflections developed with the necessary wisdom to allow total freedom of creation under diverse circumstances. Artists with a passion to create something different, to leave their particular imprint, fearlessly redefining contemporary aesthetics and thought.

They are indomitable because no one has been able to cast them into a mould designed through a long history developed for and by men. They are indomitable because both endogenous and exogenous domination mechanisms have not worked on them. Indomitable because of being immune to the standard guidelines, the product of mental paradigms that come from implicit and unconscious assumptions beliefs, and cultural values that restrain creativity and repress ideas, towards the obedient acquiescence to the predominant masculine role, established in most societies since the origins of humankind.

Indomitable, once again, because of embracing the audiovisual medium as a genuine form of artistic expression, embodying the temporal dimension as an active player in the universe of perceptions and multiplying the experience with countless visual impacts, which choreograph at the retina an everlasting sensation.

Passionate women who know how to give time to time in the artistic practice, who have not been stopped by the recalcitrant resistance of conservative reactionaries afraid of change and specific to each generation. Women with their own voice and criteria, who, by vocation, have let their imagination fly and take us all towards new futures, conceived for an advanced, dynamic and multi-faceted society. What is will no longer be; what was is no more. Intrinsically bound to change, time does not stop; neither does it repeat itself. Wise are those creators who have an inspiring muse and travel companion in this juncture.

The Indomitable Women selection provides a space for an important group of artists to transmit the essential features of women’s freedom of creativity and its possibilities, able to cope with multiple proposals in the aesthetic, form and content, while always loyal to the duty of evolution inherent in art, and acquiescent with its revolutionary power. Gathering works developed within the past four decades, the show is an attempt to glimpse that ethereal something that is a backdrop to women's artistic praxis. The flux of conscience that emanates from their works, intimate monologues of oscillating thought, images, wishes, emotions, curiosities and reflections, which contain surprising conceptual, aesthetic and, of course, technical and technological links.

The show is an effort to discover the characteristics of the female point of view behind the camera as a pertinent discursive thread that has not been sufficiently analyzed, exhibited or recognized. It invites to reflect upon the perception and vital behavior that designates the various approaches of the female creative nature and, on a deeper level, concerns anchored in the psyche over time, perceptible thanks to the cross-historic cut.

Distinguishing art as a flux of currents of thought that promotes the creation of innovative notions, which subtly filter through society, permuting the rooted structure of masculine values and refuting a society that identifies with them and is programmed to serve their interests. Meanings and signifiers which have created and continue to create their imprints in contemporary art history, confronting past times and generating new ideas and original perspectives. It is essential to give visibility to these works, which just by existing de-construct the male-centered subjacent discourse, and point to a more fair social progress.

Work elaborated with the virtuosity that only passion can conceive, and that in the de-codification state offers an open reading to the viewers, allowing them to have an intimate relationship to the codes and sub-codes proposed in each work by this splendid group of artists and indomitable women.

n.m.

_____________________________

“Existence denied”
Mostra fotografica di Andrea M. e Magda C

Alternative Information Center di Beit Sahour, Betlemme

La mostra “Existence denied” dei fotografi Andrea M. e Magda C. è presente dal 17 ottobre presso l'Alternative Information Center di Beit Sahour, Betlemme: Il nostro lavoro ha avuto come scenario i quattro venerdì dello scorso Ramadan, momento in cui crediamo risulti più facile comprendere il vero volto di un “checkpoint” e più difficile nasconderne il vero significato da parte dell'autorità israeliana, momento in cui risulta più evidente ciò che accade nella vita quotidiana di ogni abitante dei Territori Occupati Palestinesi. L'intento delle immagini della mostra è quindi prima di tutto spostare l'attenzione sulla vera natura di un checkpoint. “Checkpoint” dall'inglese letteralmente significa “punto di controllo”, ma difficilmente sentirete questa parola pronunciata da un Israeliano o da un Palestinese. Il termine più usato è “machsom” dall'ebraico “barriera” e la differenza tra questi due concetti ci rende il reale significato di questo strumento di privazione del diritto. Ma per ironia della sorte “machsom” significa secondo la terminologia della kabbalah ebraica “barriera tra questo mondo e quello spirituale” e mai come durante il Ramadan tale parola risulta essere piu' appropriata. Centinaia di migliaia di Palestinesi che hanno cercato di recarsi alla moschea di Al-Aqsa a Gerusalemme per la preghiera del venerdì si sono visti rifiutare in maniera aggressiva e immotivata il loro diritto al movimento ed il loro diritto alla preghiera, protetti tra l'altro dagli articoli 13 e 18 della dichiarazione universale dei diritti dell uomo. Con le nostre foto abbiamo inoltre cercato di sottolineare, allo stesso tempo, l'arroganza e la prepotenza dei militari israeliani, e la resistenza pacifica e composta del popolo palestinese che nemmeno per un secondo ha sconfinato nella violenza o nella risposta alle ostilità ricevute. Sfidando il caldo torrido del sole d'agosto, il digiuno imposto dal corano, la lunga estenuante fila di attesa ed i malori che ne sono conseguiti, questa gente ha dovuto subire ulteriormente i maltrattamenti, l'umiliazione e nella maggior parte dei casi il rifiuto di recarsi a Gerusalemme. Solo le donne sopra i 45 anni, gli uomini sopra i 50 ed i giovani sotto i 16 anni, sono stati autorizzati a passare ed il fatto che sia stato rifiutato il passaggio durante i venerdì di preghiera a chi non rientrasse nelle fasce d'età consentite, pur possedendo il permesso giornaliero di lavoro per recarsi da Betlemme a Gerusalemme, dimostra ulteriormente come queste “barriere” non abbiano nessuna relazione con la sicurezza. Tutto ciò anzi non fa altro che accrescere la sensazione di impotenza ed umiliazione che porta inevitabilmente all'odio nei confronti dell'unica faccia della società israeliana (i soldati) che ai palestinesi è consentito conoscere. Stiamo organizzando in questo periodo delle esibizioni all'estero ed in Italia. Chiunque sia interessato alle foto o all'organizzazione di una mostra, possa darci anche semplici consigli o suggerimenti, può contattarci all'indirizzo mad_kamboui@hotmail.com o telefonare ai numero 00972(0)59.85.86.275 oppure 0039.328.678.52.66. Tutti i nostri contatti così come le foto del reportage sono visibili sul sito: http://www.andrea-magda.com/.

n.m.

_____________________________

dal 15 al 22 dicembre 2009 e dal 12 al 27 gennaio 2010

VOLUTE

opere di Mavi Ferrando

nella nuova sede di Quintocortile - Viale Bligny 42 - Milano

presentazioni di Roberto Borghi, Chiara Gatti, Evelina Schatz

inaugurazione martedì 15 dicembre alle ore 18

orario: da martedì a giovedì dalle 17 alle 19 - dal 15 al 22 dicembre 2009 e dal 12 al 27 gennaio 2010

vedi Mavi Ferrando di Antonella Prota Giurleo

n.m.

_____________________________

n.m.

_____________________________

9 dicembre 2009, ore 21

Sala La Pianta, via Leopardi 7, Corsico (Milano)     

Presentazione del terzo numero della rivista d’arte di strada

LETTURE di Loretta Lo Giudice, Maria Carla Rossi
TESTI di Domenico “Mimmo” Di Caterino – Donato Di Poce -
                    Rosalba Signorello – Luciana Tavernini

Gretel Fehr e Antonella Prota Giurleo organizzano la pubblicazione e la distribuzione di una rivista d'arte di strada da diffondere in ambiti artistici e culturali. La rivista, redatta in mille copie di 28 pagine ciascuna, è realizzata in fotocopie in bianco e nero su carta riciclata in formato A5. Avrà uscita semestrale. In occasione della presentazione saranno esposti tutti i lavori pervenuti sino ad ora.

PATROCINIO Città di Corsico
CURATRICI Gretel Fehr, Antonella Prota Giurleo
GRAFICA Mirko Bozzato

ARTISTI E ARTISTE

Alberto Casiraghy - S. Rajshekhar – Regina Camona – Silvia Lissa – I.M.Nagaray - Tarja Trigg Solargraph – Manuchakravarthi K.N. – Corneliu Ionescu – Jarimir Svozilik -Maria Angelica Chamorro -  Satish Shivarudraiah – Gretel Fehr – Francesco Cucci – Roberto Sommariva – Alberto Mari – Clemente Padin – Stefano Soddu – Maria Amalia Cangiano – Rani Rekha – Simone Beck – Eliana Frontini – Angela Caporaso – Dodog Soeseno – Hilda Paz

TESTO CRITICO DI PRESENTAZIONE
Abbiamo deciso di dar vita ad una rivista d'arte di strada perché ci piace pensare che arte e strada possano confrontarsi e andare d'accordo
l'abbiamo chiamata bianchenere perché
ci piace pensare a pagine nelle quali le gradazioni di bianco, quelle di nero e le infinite dei grigi diano senso della varietà di pensieri e di saperi
abbiamo scelto di stamparla su carta riciclata perché
ci piace pensare che cultura e natura possano vivere in armonia

m.m.

______________

fino al 28 febbraio 2010

ANTENATE DI VENERE

Castello Sforzesco, Sala Sforzesca
Milano

LA TERRACOTTA più antica della storia raffigura una donna dai seni generosi, anzi enormi, e dai fianchi larghi. La Venere di Vestonice sta comodamente nel palmo di una mano, con i suoi 11 centimetri di altezza, ha quasi 30.000 anni ed è stata ritrovata nel 1925 in Moravia. Un pezzo più unico che raro, che anticipa di 20.000 anni la tipologia di figure femminili diffusa in età neolitica. Da oggi è esposta eccezionalmente al Castello Sforzesco nella mostra Antenate di Venere, prodotta dal Comune e dall' associazione Capodanno Celtico e curata da Venceslas Kruta e Alena Humplova (catalogo Skira). Sono circa 150 pezzi, quasi tutti provenienti dai musei della Repubblica Ceca: tra i molti vasi e oggetti di uso quotidiano, spicca una trentina di statuette femminili che costituiscono la vera attrazione. Queste piccole donne di terracotta sono le discendenti della Venere di Vestonice e sono databili tra il 6.000 e il 4.000 a.C., quando l' uomo scoprì l' agricoltura e smise di essere esclusivamente cacciatore. Molte le ipotesi sulla loro natura: c' è chi le crede divinità, altri figure erotiche, leggendole come una sorta di "Playboy" preistorico, mentre per le femministe americane erano l' espressione di una società matriarcale. Da non perdere la Figuretta femminile intagliata in un molare di cinghiale e il vaso a forma di donna seduta, in cui le mani sono sostituite da due scodelline.

Michele Tavola da La Repubblica del 5/12/09

m.m.

_______________________

fino al 22 gennaio 2010

SPOSE IN VIAGGIO / BRIDES ON TOUR
Pippa Bacca Silvia Moro

FONDAZIONE MUDIMA
via Tadino 26, 20124 Milano
tel. +39 02.29.40.96.33 fax +39 02.29.40

Inaugurazione mercoledì 9 dicembre 2009 - ore 18.30

La Fondazione Mudima inaugura la mostra “Spose in viaggio / Brides on Tour”, un progetto realizzato nel 2008 da Pippa Bacca e Silvia Moro in collaborazione con Byblos Art Gallery di Verona. Le due artiste, animate dalla forte determinazione di portare a compimento il loro progetto, hanno lavorato con dedizione alla sua preparazione e alla messa a punto della rete di connessioni e ospitalità servite a supporto del progetto e del viaggio. Così facendo hanno percorso in autostop i paesi del Mediterraneo sconvolti da recenti guerre, con lo scopo di portare un messaggio di pace, speranza e solidarietà, attraverso il viaggio stesso e una serie di rituali/performances di grande valore simbolico. Pippa Bacca e Silvia Moro sono partite da Milano vestite in abito da sposa, attraversando la Slovenia, la Crozia, la Bosnia, la Serbia, la Bulgaria, sino ad arrivare in Turchia, dove il percorso è stato bruscamente interrotto dalla tragica morte di Pippa, che non ha però distrutto la fiducia nel loro positivo messaggio e la volontà di spiegare i significati racchiusi in questo progetto, ricco di sfaccettature. La mostra documenta e rivive le tappe più importanti vissute nel viaggio di Pippa e Silvia attraverso diverse sezioni espositive avvalendosi di sezioni multimediali e della documentazione originale raccolta durante il viaggio: opere prodotte in collaborazione con le persone incontrate, fotografie, ricordi, testimonianze, oggetti. Pippa Bacca e Silvia Moro, attraversando paesi sconvolti da guerre fratricide e odi etnici, hanno innescato un sistema di relazioni e di scambi dove la pace, la speranza, il confronto e la solidarietà sono divenuti le vere tappe che hanno scandito il loro viaggio, sostenuto dalla volontà e dal coraggio di impersonare e dar voce al simbolico femminino, generatore di vita e creatore di relazioni feconde. Proprio come inno alla vita Pippa Bacca ha realizzato durante il viaggio la "Lavanda dei piedi" alle ostetriche del posto, come simbolo di riconoscenza e gratitudine verso queste donne che permettono alla vita di nascere in luoghi in cui la guerra troppo spesso non ne ha rispetto. Come ha scritto Giorgio Bonomi nel testo in catalogo, il viaggio di Pippa Bacca “ha aperto la mente e il cuore di tanta gente, in tutto il mondo, per cui il male si è trasformato, dialetticamente, in bene: è penetrato in profondità, così, il messaggio che l’arte di Pippa voleva comunicare, cioè la fratellanza e l’amore tra i popoli, e gli individui, tra il tu e l’io”. Silvia Moro ha invece utilizzato l’antichissima arte del ricamo che ha varcato i confini territoriali e culturali ancora prima di quelli linguistici, chiedendo alle donne che ha incontrato in ogni paese di realizzare ricami sul suo abito che contaminandone il bianco, rivelano e testimoniano la rete di connessione e relazioni possibili come dissolvimento dei limiti territoriali, culturali e linguistici, in nome della pace. Martina Corgnati ben sottolinea nel suo testo in catalogo l’attitudine di Silvia Moro verso il progetto: “La rinuncia sistematica all’autorship a favore dello scambio e della condivisione, il rifiuto di fermarsi sull’opera, l’oggetto risolto, compiuto e concluso a favore di un insistente e persino umile processualità; il rifiuto, in altre parole, della verticalità dell’io a favore dell’orizzontalità del noi, un noi femminile, indefinito, aperto, non barriera ma rete, non dogma ma tentativo, almeno tentativo di osmosi e di condivisione”. Saranno anche in mostra le opere fotografiche di Sirio Magnabosco, il fotografo che ha raccolto dal vivo le testimonianze video-fotografiche dei rituali-performances quotidiane come il lavaggio degli abiti, le persone, i loro mestieri, l'interazione con i luoghi, la visita alle associazioni culturali, i rapporti con gli artisti locali. Il 9 dicembre alle 18.30 verrà inoltre presentato il catalogo del progetto “Spose in viaggio” con i testi critici di Martina Corgnati e Giorgio Bonomi, che interverranno all’inaugurazione.
La mostra rimarrà aperta fino al 23 dicembre e riaprirà dal 7 al 22 gennaio 2010 lun.-ven. 10.30/12.30 - 15.30/19.30

n.m.

_____________________________

fino al 30 gennaio 2010

Dorothea Tanning

Beyond the Esplanade: Paintings, Drawings and Prints from 1940 to 1965
Frey Norris Gallery and Annex
456 Geary Street, San Francisco, CA 94102

Beyond the Esplanade surveys a fascinating period in the career of one of the most intriguing artists and writers of the last century. After extensive travel and living for some time in Sedona, Arizona and the Loire Valley in France, Dorothea Tanning now lives back in New York City, the same city where she came to prominence in 1942. That year Julien Levy, the gallerist who effectively introduced the United States to Surrealism, visited her studio. Levy was so impressed by Tanning's painting Birthday (now in the Philadelphia Museum of Art), that he quickly offered her a solo exhibition in his eponymous gallery in 1944. This exhibition was well received and positioned Tanning as one of the more significant artists in the country at the time. As a thinker and artist, Tanning’s life with her husband, the renowned painter Max Ernst, served as the epicenter for encounters and electrifying exchanges with many of the most significant creatives alive. From Joseph Cornell, Truman Capote, Merce Cunningham, George Balanchine, John Cage and Dylan Thomas to Alberto Giacometti, Joan Miro and James Merrill, Tanning’s autobiography Between Lives sometimes reads like a bildungsroman - Tanning found herself quickly surrounded by genius, yet remained sufficiently grounded to allow this to inspire and not overshadow her own emerging oeuvre. The exhibition's title painting, Beyond the Esplanade (1940), speaks to the strength of will, creative unorthodoxy and story of artistic blossoming that would define Tanning’s evolving vision. Through work that cleaves rather closely to Surrealist paradigms of the biomorphic, erotic and the power of chance association, Tanning matured into a period of prismatic abstraction that calls to mind the shattering of semi-precious gems across the surface of her paintings. In Daphne (1943), Fatala (1947) and The Witch (1949), the intensely self-revelatory and still self-obscuring tones of her signature paintings demonstrate a sharp and witty intelligence struggling with the effects of, and often dismissive assumptions conjured by, her own physical beauty. This struggle is probably best encapsulated in the expression of the solitary and seductive but perhaps drowned woman depicted in Beyond the Esplanade, or the more confessional passages of her autobiography. Paintings like Vorace Veracite (1956) and Ignotti Nulla Cupido (1960) epitomize the jewel-like beauty of the second and third decades of Tanning’s career, a transition from a tone of discomfiting sexuality to embracing a distinct abstract language, one defined by color, hidden imagery and intricacy bolstered by clever poetic titles. Tanning would later experiment with what is now called installation art (such as Hotel du Pavot, Chambre 202 of 1973) and soft sculptures which the artist understood would not last, would be ephemeral combinations of plump twisting curves and functional furniture with titles like Pincushion to Serve as a Fetish (1979). In the 1980’s Tanning began to concentrate more on her writing, authoring several books and becoming a much celebrated poet, with poems appearing in The Best American Poetry 2000 and The New Yorker. Beyond the Esplanade is the most comprehensive look at Tanning's early career to appear in an American gallery since the Philadelphia Museum of Art hosted "Birthday and Beyond" in 2000, to celebrate their acquisition of this seminal painting. A 48 page catalogue accompanies the exhibition with an essay by Surrealism scholar and art historian Amy Lyford.

n.m.

_____________________________

n.m.

_____________________________

dal 14 novembre al 19 dicembre 2009

IL MURO 1989 - 2009

nadia magnabosco                                          marilde magni

SATURA Associazione Culturale
Palazzo Stella - Piazza Stella, 5 - 16123 Genova

Rassegna d'Arte Contemporanea a cura di Mario Napoli

inaugurazione Sabato 14 Novembre ore 17:00
aperta dal martedì al sabato ore 15:00 – 19:00 - chiuso lunedì e festivo

Satura organizza una mostra a tema nella ricorrenza del ventennale della caduta del Muro, invitando gli artisti a produrre un’opera ad hoc sull’evento, lasciando la più ampia libertà alle interpretazioni. 110 gli artisti invitati:

Ancarani Paolo, Anoardi Marianna, Aprile Antonella, Arscone Tommaso, Baldo Laura, Bardelli Mario, Bartolini Luigi, Basei Serena, Biasini David, Bisio Raffaella, Bucciarelli&Miglio, Buratti Gabriele, Cafiero Virginia, Calzolari Sara, Cappiello Silvia, Cardone Carlo, Carpineti Luigi, Carrozzini Gianfranco, Cassoletti Rossana Tara, Castello Lorenzo, Cattaneo Cristina, Cavalieri Lina Lucia, Chiappori Rossana, Ciuchi Meri, Coda Milly, Conio Nicoletta, Cordioli Nelli, Cosimo Valerio, Crepaldi Giuliano, Cuneo Carolina, Dabusti Carla, Dagnino Isnaldi Marina, Dametti Riccardo, Da Riva Daniela, De Chirico Valentina, De Longhi Stefano, Degli Abbati Gigi, Del Fabbro Elena, Di Castri Luca, Di Giusto Walter, Di Nitto Maria, Di Sanza Angela, D’Orta Cira, Dupont Josine, Faustini Sabrina, Feligini Saverio, Francescon Enrico, Frisone Monica, Galleri Alfredo, Galleri Francesca, Gambacorta Maria, Gazzana Sandra, Gentile Gianluigi, Ghiselli Maura, Giovagnoli Luisa, Giovinazzo Fabio, Grassi Elena, Laggetta Riccardo, Lavia Grazia, Lepre Rodolfo, Lilli Gloria, Macchia Laura, Maggi Ruggero, Magnabosco Nadia, Magnanti Patrizia, Magni Marilde, Mammarella Silvia, Manneschi Giuseppe, Manzini Fiorella, Melita Rita, Menozzi Geminiani Graziella, Micci Massimo, Mineo Marcella, Moscato Manuela, Munico, Negri Riri, Nussbaum Peter, Nutarelli Gabriella, Palladini Marco, Paoletti Sofia, Pappalardo Paola, Pasini Lucia, Petrolini Arcella Giuliana, Piccardo Giuliana, Piu Elisabetta, Poggi Sergio, Ponte Marco, Resinelli Luana, Rietti Alessandro, Rizzelli Stefania, Rocchiggiani Elena, Rosato Guido, Rossi Enrico Paolo, Rossi Giacomo Paolo, Ruffoni Cristina, Saracino Sergio, Sarti Simona, Scattolin Valentina, Scotti Katia, Silvestrini Giuliana, Soldatini Gabriella, Soncini Giovanni, Sordi Alberto, Spinoccia Pippo, Spoletini Claudio, Stevenazzi Rosaria, Tambresoni Alessandro, Tosi Ivan, Traversa Rossella, Tuso Barbara, Vallaro Maria Vittoria, Verardo Elena, Vitone Rodolfo, Zucchelli Rosanna.

Il 9 novembre del 1989, cade il Muro e diventa subito il simbolo della caduta del comunismo reale e del fallito esperimento sociale su vasta scala, del disfacimento della rivoluzione in Russia dopo settant'anni. Speranze, illusioni, sconfitte; idee che avevano fatto sognare milioni di persone tradite dagli autoritarismi e dalle dittature. Festa grande per il diritto alla libertà di spostamento dei cittadini tedeschi e del mondo intero, via libera all’ideologia consumistica e alle inevitabili crisi della sua globalizzazione. Evento comunque fortemente simbolico vissuto con grande partecipazione e fantasia. Pezzi del muro vengono asportati, dipinti, venduti ai turisti. Il lato Ovest viene usato per pitture murali. Una sezione lunga più di un chilometro è ormai sede dell’East Side Gallery , la più grande galleria 'open air' del mondo, che ospita 118 diversi artisti provenienti da 21 paesi che si sono esibiti nelle loro creazioni artistiche sul muro come le famose 'Brotherly Kiss' e 'Fatherland'.

n.m.

_____________________________

dal 26 novembre al 19 dicembre 2009

Probabili indizi - Rassegna d'arte contemporanea

gretel fehr - 'Bloody Mary'

SATURA Associazione Culturale
Palazzo Stella - Piazza Stella, 5 - 16123 Genova

Satura organizza la rassegna d’arte contemporanea Probabili Indizi sul tema del Noir in occasione del V Festival della Letteratura del Crimine, invitando gli artisti a produrre un’opera ad hoc, lasciando la più ampia libertà alle interpretazioni.

Artisti invitati: Adibe Zazou, Ancarani Paolo, Anoardi Marianna, Arscone Tommaso, Baldo Laura, Bisio Raffaella; Bucciarelli&Miglio, Bulgarelli Monica, Cafiero Virginia, Calvo Marina Edith, Calzolari Sara, Carozzini Gianfranco, Castello Lorenzo, Cattaneo Cristina, Coda Milly, Conio Nicoletta, Cordioli Neli, Crepaldi Giuliano, Crosio Elena, Cuneo Carolina, Dagnino Isnaldi Marina, Dametti Riccardo, De Giorgio Dolere, Del Fabbro Elena, Disanza Angela, Dupont Josine, Fehr Gretel, Feligini Saverio, Gaggero Andrea, Gambacorta Maria, Gentile Gianluigi, Ghiselli Maura, Gilardoni Riccardo, Giovagnoli Luisa, Laggetta Riccardo, Lavia Grazia, Lepre Rodolfo, Maggi Ruggero, Magnanti Patrizia, Magni Irene, Mammarella Silvia, Manneschi Giuseppe, Marani Alberto, Mariucci Maria, Menozzi Geminiani Graziella, Micci Massimo, Mitrovich Enrico, Montini Abramo, Negri Riri, Palladini Marco, Pappalardo Paola, Piccardo Giuliana, Piu Elisabetta, Poggi Sergio, Ponte Marco, Resinelli Luana, Rizzelli Stefania, Rosato Guido, Rossella Traversa, Ruffoni Cristina, Ruospo Valentina, Sanseverino Pasquale, Sarti Simona, Scattolin Valentina, Scotti Katia, Soldatini Gabriella, Sordi Alberto, Spinoccia Pippo, Spoletini Claudio, Strukul Sonia, Taramasco Fabio, Traversa Rossella, Tunolo Denise, Vallaro Maria Vittoria, Zucchelli Rosanna.

L’assassino stà già salendo le scale, mani si protendono in avanti per uccidere, un letto disfatto è l’unico testimone di un orrendo delitto. Ci sono immagini che suggeriscono soltanto senza esplicitare l’orrore, magari attraverso due enormi occhi terrorizzati, altre invece fanno esplicito riferimento al sangue. Si disserta molto sull’arma del delitto a cominciare dalla pietra affilata degli ominidi di milioni di anni fa, in una sorta di linea evolutiva della violenza.

E’ tutta un’iconografia che si sviluppa sul tema del giallo ed accompagna il Festival del Crimine che anche quest’anno si tiene a Satura nel consueto appuntamento d’autunno. Ci saranno numerosi editori, giornalisti, scrittori, nonché addetti ai lavori nel campo del Penale, che dibatteranno i vari temi intorno ad un genere letterario che ha sempre avuto i suoi sostenitori.

Inaugurazione giovedì 26 novembre ore 16:00

n.m.

_____________________________

dal 28 novembre 2009 al 14 febbraio 2010

'Yayoi Kusama
'I want to live forever'

Padiglione d'Arte Contemporanea
Via Palestro 14 Milano

Curata da Akira Tatehata, direttore del National Museum of Art di Osaka, la mostra è dedicata alla protagonista indiscussa dell'arte contemporanea giapponese.

Oltre a dipinti figurativi e astratti di recente realizzazione, sculture di grandi dimensioni e installazioni create nell'ultimo decennio, sarà esposta anche una selezione di disegni risalenti agli anni '50 e '60.

In mostra anche Narcissus Garden, l'installazione-scultura presentata per la prima volta alla XXXIII edizione della Biennale di Venezia (1966). Kusama produsse questo ambiente interattivo composto da 1500 sfere metalliche con l'assistenza di Lucio Fontana. In una presentazione improvvisata sul prato del Padiglione Italiano, Kusama, vestita in kimono, puntò l'attenzione sugli aspetti commerciali usualmente velati della Biennale, vendendo ogni sfera a 1.200 lire. Più di quaranta anni dopo, Narcissus Garden arriva per la prima volta a Milano.

Kusama produsse i suoi primi enormi dipinti ''infinity'' alla fine degli anni '50 a New York. Oggi compone ancora questi quadri, come lo spettacolare ''I Want to Live Forever'' a cinque pannelli (2008). I suoi ultimi lavori figurativi, come ''Cosmic Space'' (2008), riflettono un'ossessione per la mortalità, oltre che per la solitudine, il vuoto e i misteri dell'universo fisico e metafisico. Nelle sue sculture, Kusama fa uso continuo di specchi, come nell'opera ''Passing Winter'' (2005) o nel complesso ambiente ''Aftermath of Obliteration of Eternity'' (2008), che utilizza un sistema di semplici ma ingegnosi strumenti ottici per creare un'interazione senza fine di luce riflessa. Il più recente gruppo di sculture monumentali di Kusama ''Flowers that Bloom at Midnight'' sono fiori barocchi dai colori accesi, che misurano in altezza tra 1,5 e 5 metri.

vedi Zucche e lanterna magica è il mondo di Kusama di Barbara Casavecchia

m.m.

_____________________________

dal 25 novembre 2009 al 14 febbraio 2010

Marianne Werefkin
L'amazzone dell'avanguardia

Museo di Roma in Trastevere

Coltissima e carismatica pittrice, protagonista della grande rivoluzione artistica dei primi del Novecento, Marianne Werefkin si confrontava quotidianamente con gli artisti-amici Jawlensky, Kandinsky, Mùnter, Marc, Klee parlando di arte, cultura simbolista ed esoterismo contribuendo così ad aprire a Kandinsky una nuova via artistica.

Nata da una famiglia dell’alta nobiltà russa — il padre generale della Fortezza di Pietro e Paolo a San Pietroburgo, la madre pittrice e discendente da un’antica stirpe di principi cosacchi — Marianne Werefkin è una delle artiste più interessanti del panorama europeo di inizio Novecento ma è rimasta quasi sconosciuta al pubblico italiano. La sua opera è stata fondamentale, a livello sia teorico che pittorico, per la nascita nel 1909 della “Neue Kùnstlervereinigung Mùnchen” (Nuova Associazione degli artisti di Monaco) e di conseguenza del “Blaue Relter” (Cavaliere Azzurro), ponendo così le basi per la nascita della moderna arte astratta. Un’arte che doveva esprimere soprattutto le emozioni interiori, non la “verità della vita” ma la “vita vera”.

Per lunghi periodi rimane lontana dall’esercizio della pittura: incomincia, infatti, a dipingere nel 1906, strutturando le forme con l’uso puro del colore e stilizzando le linee senza mai entrare nell’astrazione pura.

La sua produzione artistica può essere distinta in tre momenti significativi. Il primo, riscontrabile negli schizzi in lapis e matite colorate, vede l'influsso delle correnti mistiche e dell’arte di Kubin e Redon. Il secondo, evidente in diverse opere e schizzi del 1907, è influenzato dall’arte francese impressionista e neo-impressionista nell’iconografia (con le scene di città, caffè e spettacoli teatrali) e dall’opera di Gauguin e Nabis nello stile (con l’uso espressivo del colore e delle linee). Ma in questa fase è soprattutto l’arte di Edvard Munch ad avere influenzato fortemente la sua pittura, per l’uso simbolico e antinaturalistico del colore, per la pennellata fluente e per i richiami iconografici. Nel terzo periodo, con le opere degli anni 1908-13, la Werefkin giunge infine al suo stile lirico, espressivo, personale in cui le forme, le linee e i colori sono spesso assorbiti da una tonalità dominante. Infine, con il suo trasferimento in Svizzera, che si conclude ad Ascona dove risiede negli ultimi 20 anni della sua vita, la sua arte da un lato segue una forma più mistica e visionaria, dall’altro esprime i suoi sentimenti più umanitari e vicini alle problematiche umane.

m.m.

_____________________

   25 novembre 2009 ore 19

..:LEGGERE/non leggere...
          Libro d’artista e oltre
settima edizione

                Derbylius libreria galleria                       

Via Pietro Custodi (Vicolo) 16 – 20136 Milano            

         La mostra prosegue fino al 15 gennaio 2010                      

Marco Baj, (b)ananartista, Irma Blank, Salvatore Carbone, Linda Carrara, Angela Caremi, Alberto Casiraghy, Mara Cantoni, Enrico Cattaneo,  Pietro Coletta, Gigi Conti, Antonio D’antonio, Luisa Elia, Fernanda Fedi, Gretel Fehr,  Giovanna Feola, Raffaella Formenti, Gianantonio Garlaschi, Silvia  Giorgetti, Gino Gini, Paola Mirai, Piera Musmanno, Mary Grenshaw, Emily Joe, Anna Lambardi, Elisabeth Lanza, Marialisa Leone,  Lauro Lessio, Tania Lorandi,  Daniela Lorenzi, Dante Maffei, Kaori  Miyayama, Serena Olivari, Daniele Papuli, Guido Andrea Pautasso, Gianni Perillo, Giovanni Ricciardi, Giancarlo Rizzo, Giovanni Rubino, Anna Spagna, Giacomo Spazio, Aldo Spinelli, Umberto Tesoro.

La mostra collettiva giunta alla settima edizione di LEGGERE/non leggere avrà come tema “la scrittura rivisitata”. Il titolo della mostra è stato ideato nel 2003 da Carla Roncato e Guido Andrea Pautasso, amico da sempre, artista e critico d’arte.
Ho chiesto agli artisti del mio mondo e che ruotano attorno alla Libreria Galleria Derbylius di acquistare un libro ad un prezzo simbolico di 1 euro e di riportarmelo trasformato in una opera d’arte.
Così si definisce il percorso ideale della settima edizione di LEGGERE/non leggere: un viaggio nella parola fatta immagine, diventata oggetto di rielaborazione, di re-invenzione, di libera interpretazione da parte di artisti che hanno scelto la parola come ‘materia’ per la loro ricerca e che su di essa hanno costruito un paradigma artistico eclettico e assolutamente imprevedibile.
Qualsiasi declinazione assuma, il recupero della scrittura nella pratica artistica ha necessariamente in sé una componente autoriflessiva, sia perché la scrittura è depositaria per eccellenza della cultura, sia perché essa rappresenta il massimo grado di specializzazione nel processo astrattivo del segno.
La parola trattata come ‘cosa’, lavorata dall’arte come presenza fisica, materiale e corporea oppure come forma assente, incrina l’ovvietà del discorso, lo sconnette e lo riimpagina tramite alfabeti inediti, densi come ogni immagine, la cui decifrabilità smette di essere garantita.
      

   m.m.

__________________________

fino al 5 dicembre 2009
Dadamaino

Galleria Spazia
Via dell’Inferno, 5 (zona ex Ghetto) - 40126 Bologna

Catalogo disponibile, a cura di Flaminio Gualdoni

"Anche le donne ‘bucano’ i quadri: l’indignato cronista milanese accoglie così Dadamaino – è il 31 dicembre 1959, il giornale è il “Corriere Lombardo” – e le sue opere che, muovendo da un riferimento esplicito a Lucio Fontana, derogano alla convenzione spaziale e oggettuale del quadro affermando la propria alterità plastica.
Da tempo, ormai, l’artista opera nella cerchia di Manzoni e Castellani, partecipando in modo non marginale alle attività di Azimut e declinando in modo originale alcuni dei dettati che vi si predicano: acromia e monocromia, concreta fisicità dell’opera e violazione della pura qualificazione superficiale in nome di un intendimento anche quantitativo, e soprattutto, per dire proprio con Manzoni che ne presenta la mostra personale presso il padovano Gruppo N, nel 1961, operazioni che “non si accontentano di ‘dire diversamente’: dicono nuove cose”. Nei Volumi le tele sono grezze, o bianche, o nere, solcate da ovali d’ampia estensione o da cerchi iterativi, quasi a determinare una ulteriore cadenza plastica possibile dell’immagine. E sono imperfette, di folgorante irregolarità: il “non fare il quadro” – ch’è dettato dei tempi – opera in lei come effettiva renitenza alla fattura, al bon ton esecutivo, in una attuata posizione a-disciplinare che è, anche, compiuta indifferenza estetica."

n.m.

_____________________________

dal 16 novembre all'8 dicembre 2009

n.m.

_____________________________

dal 14 al 29 Novembre 2009

Diritti per tutte e per tutti
collettiva di installazioni e di opere bidimensionali su carta e su tela

Centro Foscolo - Via U.Foscolo 3/d - Corsico

Artiste e artisti: Janine Achard, Regina Carmona, Marisa Cortese, Lella Corvi, Gertraud Eder, anna Rosa Faina gavazzi, Gretel Fehr, Dorothea Fleiss, Bartosz Fraczek , Ornella Garbin, Pirjo Heino, Jacopo, Isabel Jover, Vince Juhas , Renuka Kesaramadu, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Veronica Menni, Gilia Montanella, Vahida Nimanbegu, Carmen Poenaru, Antonella Prota Giurleo, Cesar Reglero Campos, Antonio Sormani, Giuseppe Strano Spitu, Mirela Traistaru, Laurette Wittner, Maria Grazia Zanmarchi.


Inaugurazione: Sabato, 14 Novembre ore 17,30 con performance
Orari: Festivi e pre-festivi:10,30-13,00/16,00-19,00 - Feriali: h.16,00-19,00. Lunedì chiuso
Curatrice: Antonella Prota Giurleo a.protagiurleo@email.it
Informazioni: Silvana Gatta, presidente Galassia silvana.gatta@tiscali.it

Proseguendo sul percorso per la pace, l'associazione di donne Galassia ha proposto ad artiste ed artisti la realizzazione di una mostra.
Opere bidimensionali su carta e su tela saranno esposte in cornici a giorno; teli dipinti comporranno un'installazione, Il bucato, così come, appesi con mollette, saranno i testi sulla pace raccolti.
Le donne di Galassia, unite da uno spirito solidale che le lega ai meno fortunati, come ogni anno si pongono un obiettivo: quello di raccogliere fondi per collaborare alla costruzione della scuola di Fontecchio, in Abruzzo , la regione italiana colpita quest'anno dal terremoto.
Abbiamo chiesto ad artiste ed artisti di vari paesi di donare una loro opera per un progetto di solidarietà; l'adesione è stata importante, sono pervenuti lavori da molti paesi: Francia, Brasile, Austria, Germania, Romania, Polonia, Finlandia, Spagna, Montenegro, Serbia, India, Italia.
Le opere donate potranno essere acquistate, ad un prezzo simbolico, dalle persone in visita alla mostra che potranno fare le loro proposte.
Il ricavato sarà versato sul cc. Postale aperto dal Comune di Corsico destinato alla ricostruzione della scuola. Il Comune, insieme alla Protezione civile, seguirà passo passo la realizzazione del progetto.
Una scelta di solidarietà per dare un senso vero e profondo alla parola Pace.

Associazione di donne Galassia
C/o Camera del Lavoro . Via Foscolo 17 - Corsico

n.m.

_____________________________

sino al 19 novembre 2009

CICIP&CICIAP
Circolo culturale e politico delle donne
Via Gorani 9 20123 Milano

Lotteria d'arte di grande valore

si comincerà -in sede- la vendita dei biglietti della esclusiva "Lotteria" che grazie alla generosità di alcune grandi artiste vi permetterà di partecipare all'estrazione di quotatissime opere.

L'estrazione avverrà giovedi 19 novembre dalle 21.30

i biglietti della lotteria costano euro 10 per un numero, 20 per tre numeri. I biglietti potranno anche essere acquistati attraverso il c/c postale n.96277231 intestato a Laura Maltini mettendo la causale "lotteria". Il conto è a disposizione per qualsiasi donazione, finanziamento e chi più ne ha più ne metta……
La lotteria è finalizzata - ça va sans dire - ad arginare il "dissanguamento" causato dalla chiusura forzata e dalle spese sostenute per i lavori di adeguamento.

Le artiste:
Valentina Berardinone
Carla Cerati
Paola Mattioli
Maria Mulas
Antonella Ortelli
Antonella Prota Giurleo
Carla Sanguineti
Evelina Schatz
Anna Spagna
Fausta Squatriti

informazioni sul sito: http://www.cicipeciciap.org/home.html

n.m.

_____________________________

October 22 – December 12, 2009

Off the Beaten Path: Violence, Women and Art
An International Contemporary Art Exhibition

University Art Gallery, San Diego, USA

Participating artists include Marina Abramovic; Jane Alexander; Laylah Ali; Louise Bourgeois; Lise Bjorne; Maria Campos-Pons; Patricia Evans; Luciana Fina; Maimuna Galgano; Mona Hatoum; Icelandic Love Corp; Yoko Inoue; Kim Myung Jin; Jung Jungyeob; Amal Kenawy; Hung Liu; Almagul Menlibayeva; Gabriela Morawetz; Wangechi Mutu; Miri Nishri; Yoko Ono; Lucy Orta; Cecilia Paredes; Susan Plum; Cima Rahmankhah; Jaune Quick-to-See Smith; Joyce J. Scott; Eve Sussman; Masami Teraoka; Hank Willis Thomas; Miwa Yanagi

A new international exhibition of contemporary art brings together artists from around the world to explore the many dimensions of gender-based violence. In "Off the Beaten Path: Violence, Women, and Art, 33 well-respected artists from 26 countries create new stories through their artwork addressing gender-based violence from a global perspective.

"Throughout the world, women and girls are victims of countless and senseless acts of violence," says Randy Jayne Rosenberg, executive director of the nonprofit group Art Works for Change and the show's curator. "The range of gender-based violence is devastating, occurring, quite literally, from womb to tomb. It occurs in every segment of society, regardless of class, ethnicity, culture, or whether the country is at peace of war. Often, the victim's only crime is that she is female." Premised on the visionary potential in art, the exhibition avoids tabloid and sensational imagery. The invited artists were asked "to help us create new representations through their artworks and, in doing so, help us feel and understand the essence of the problem of violence against women," says Rosenberg. The goal of the exhibition is to help create a new conversation on the full spectrum of issues that surround this important topic. Within the context of the exhibition, Art Works For Change explores various definitions of violence against women and girls as it relates to the themes of Violence and the Individual; Violence and the Family; Violence and the Community; Violence and Culture; and Violence and Politics. The hope is that the audience leaves the exhibition with a better understanding of the roots of abuse, a feeling of empathy, and an awareness of choice in their actions and beliefs. These problems, though widespread, are often invisible, says Rosenberg. "When we encounter violence against women, we often overlook the facts and experience a sort of blindness. We choose not to see the devastation of domestic violence, calling it 'a family affair'. Honor killings of women in faraway regions of the world become nothing more than a 'cultural difference'. We find it hard to believe that sex trafficking and exploitation occur in our cities, close to home. The rape and torture of women during armed conflict is the inevitable 'messiness of war'. As such, the political and systemic sources of violence are often underestimated or overlooked."

"Off the Beaten Path" will run through December 12, 2009 at the University Art Gallery, before continuing to El Cubo, at the Tijuana Cultural Center, Mexico in early January, 2010. The show will travel to other cities including Paris; Sophia, Bulgaria; London; Hanoi; Mexico City; Chicago; Ottawa; Toronto; Cape Town, Johannesburg, and more. The exhibition opened in Oslo, Norway, in June.

n.m.

___________________________

Giovedì 19 novembre 2009 ore 18

presso il Museo della Stampa di Libertà
Via Benedettine 68
Piacenza

Presentazione del libro
di Evelina Schatz

"QUADERNI PIACENTINI"

Introduzione: Andrea Talmelli
Chitarra: Claudio Piastra

m.m.

___________________________

L’associazione di donne Galassia organizza, con il patrocinio del comune di Corsico, una serie di incontri sul saper fare di donne che si svolgono al Centro Falcone - via Falcone 5/7.

Martedì 10 Novembre 2009
dalle h.16,00 alle h.17,30: ARTE DI DONNE NELLA BIENNALE DI VENEZIA E NEI SIMPOSI

Conduce Antonella Prota Giurleo che commenterà le immagini delle opere delle artiste che hanno partecipato nel 2009 ai simposi di Scampia e di Sormano:

Giuliana Bellini, Marisa Cortese, Dorothea Fleiss, Pirjio Heino, Renuka Kesaramadu, Monica Mazzoleni

. al simposio di Carei in Romania:

Janine Achard, Martine Boubal, Cynthia Consentino, Gertraud Eder, Dorothea Fleiss, Joelle Gandouin, Biljana Kekovic, Vahida Nimanbegu, Virginia Piscorean, Mirela Traistaru, Laurette Wittner

. alla Biennale di Venezia:

Aleksandra Mir, Raquel Bessio, Elke Krystufex, Franziska e Lois Weinberger, Miwa Yanagi, Antonieta Sosa, Magdalena Fernandez Arriaga, Bernardita Rakos, Haegue Yang

La partecipazione è aperta a tutte le donne interessate.

Camera del Lavoro – via Foscolo, 17 – 20094 Corsico

e.mail: silvana.gatta@tiscali.it - tel. 339.4389688

n.m.

________________________

 

fino al 17 gennaio 2010 

NIKI DE SAINT PHALLE



Museo Fondazione Roma  
via del Corso, 320 - Roma  
tutti i giorni dalle 10 alle 20 (lunedì chiuso).

Inaugurerà il prossimo 4 novembre al Museo Fondazione Roma una grande retrospettiva sull’arte di Niki de Saint Phalle, una mostra mainstream di sicuro appeal per un pubblico di massa, ma quantomeno eterogeneo.
In effetti è la prima volta che in Italia si apre un’antologica dell’artista, grande e inimitabile protagonista del Nouveau réalisme insieme a Robert Rauschenberg e Jean Tinguely (suo secondo marito). In mostra 100 opere esposte in un percorso di quattro capitoli tematici: le origini, Nana-Power, Tarot Garden e Spiritual Path.
Ovvero: i Tiri (le prime opere, l’artista sparava con la carabina su opere in gesso, in modo da colorarle con le tinte nascoste in sacchetti di pittura); le Nanas (le fanciulle, in francese), le celebri sculture che rappresentano donne dalle forme esagerate, distorte e libere. Poi l’esperienza del Giardino dei Tarocchi, con le sue grandi sculture realizzate nella tenuta della famiglia Caracciolo, a Capalbio (ispirato al Parc Güell di Barcellona); infine il lavoro “di coppia”, con Jean Tinguely, da cui nacquero diversi lavori, tra cui ad esempio la Fontana Igor Stravinsky, di fianco al Centre Pompidou.
Molte delle opere di Niki de Saint Phalle sono installate in luoghi pubblici, e non è chiaro come questa importante parte del suo lavoro possa essere rappresentata con efficacia in una mostra all’interno di un museo. Per chi avesse voglia di viaggiare alla scoperta dei lavori di Niki de Saint Phalle, alcune destinazioni: la stazione ferroviaria di Zurigo, il bellissimo Grotto nel giardino Herrenhäuser ad Hannover, il parco Kit Carson a Escondido, in California. E ancora Gerusalemme, Duisburg…

vedi Niki de Saint Phalle: l'intimismo si fa pop di Lea Mattarella

m.m.

_____________________________

Giovedì 5 Novembre 2009 alle ore 21

presentazione del secondo numero della rivista d'arte di strada

Tufanostudio25 - Viale Col Di Lana. 14 - Milano
tel/fax 02 89420303

LETTURE di Loretta Lo Giudice, Clara Oliveti
TESTI di Roberto Borghi - Silvana Gatta - Bruno Lo Duca - Micaela Mander

Gretel Fehr e Antonella Prota Giurleo organizzano la pubblicazione e la distribuzione di una rivista d'arte di strada da diffondere in ambiti artistici e culturali. La rivista, redatta in mille copie di 28 pagine ciascuna, è realizzata in fotocopie in bianco e nero su carta riciclata in formato A5. Avrà uscita semestrale. In occasione della presentazione saranno esposti tutti i lavori pervenuti sino ad ora.

PATROCINIO Città di Corsico
CURATRICI Gretel Fehr, Antonella Prota Giurleo
GRAFICA Mirko Bozzato

ARTISTI E ARTISTE
Alberto Casiraghy - Antonino Rizzo - Cesar Reglero Campos - Chen Li - Daniela Mastrandrea - Fausta Squatriti - Geetha Kekobad - Fernanda Fedi - Gaia Vittoria Marturano - Giacomo Bisotto - Tufano - Giuliana Bellini - Gualtiero Mocenni - J.M. Calleja - Luca Rendina - Maria Grazia Zanmarchi - Mavi Ferrando - Michele Ciacciofera - Ornella Garbin - Paula Kouwenhoven - Reijna Remes - Renuka Kesaramadu - Rosanna Veronesi

TESTO CRITICO DI PRESENTAZIONE
Abbiamo deciso di dar vita ad una rivista d'arte di strada perché ci piace pensare che arte e strada possano confrontarsi e andare d'accordo
l'abbiamo chiamata bianchenere perché
ci piace pensare a pagine nelle quali le gradazioni di bianco, quelle di nero e le infinite dei grigi diano senso della varietà di pensieri e di saperi
abbiamo scelto di stamparla su carta riciclata perché
ci piace pensare che cultura e natura possano vivere in armonia

n.m.

_____________________________

 nadia magnabosco

marilde magni

m.m.

_____________________________

dal 24 ottobre all'8 novembre 2009

Arte e lavoro

antonella prota giurleo

chiesa di San Bernardino, via Duomo, Vercelli.

Artiste e artisti: Patrizia Di Siro, Fernanda Fedi, Gretel Fehr, Mavi Ferrando, Gino Gini, Ruggero Maggi, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Antonella Prota Giurleo, Antonio Sormani.

Inaugurazione: sabato 24 ottobre 2009 alle ore 17 con spettacolo di Paola Caramel e Davide Calvi con musica poesie e narrazioni sul tema del lavoro.

Orari: da martedì a venerdì 16 - 19; sabato e domenica 10 - 12 e 16- 19
Curatela: Dario Gaito con la collaborazione di Antonella Prota Giurleo
Ingresso: libero
Informazioni: a.protagiurleo@email.it

La mostra Arte e lavoro si inserisce nell'ambito del progetto di Dario Gaito e Paola Caramel 1909 - 2009 Il futuro del Futurismo. Nel corso dell'iniziativa saranno presentate due esposizioni documentarie su lavoro e futurismo, una mostra di fotografie di Gabriella Mercadini dal titolo Lavoro e non lavoro al femminile e la mostra Arte e lavoro cui partecipano dieci tra artiste ed artisti invitati dall'artista e curatrice Antonella Prota Giurleo.

Il tema Arte e lavoro ha permesso ad artiste ed artisti di confrontarsi con la propria idea del mondo del lavoro, a partire dal lavoro artistico, spesso non considerato lavoro perchè intellettuale sino ai problemi gravi degli infortuni, del lavoro minorile, del lavoro nero.
Patrizia Di Siro analizza come nella fotografia analogica il momento artistico nasca dall'idea e dallo sguardo di chi fotografa ma come questo non sia sufficiente e come sia quasi sempre necessario il lavoro di un'altra persona che, nel suo laboratorio buio e maleodorante, contribuisce in modo fondamentale all'opera finale. Un'osservazione che evidenzia come, anche in arte, spesso il lavoro necessiti di relazione tra più persone perchè possa essere restituito al pubblico nella sua bellezza.
Nadia Magnabosco, Mavi Ferrando, e Marilde Magni affrontano le problematiche relative al lavoro minorile, agi infortuni e al lavoro nero.
Nadia Magnabosco, in Baby love, una gabbia che contiene un vestitino di bimba, vuole giocare sulle contraddizioni di una società che rimuove lo scandalo di 40 milioni di bambini nel mondo costretti a lavorare in condizioni nocive per la loro salute fisica e mentale. L'artista ha preso spunto dalla testimonianza di un ex bambino: "quando avevo dieci anni, un uomo mi ha portato via con l'inganno promettendomi cioccolato. Sono stato messo a lavorare in un'industria di produzione di tappeti e ci sono rimasto per quattro anni. In quegli anni non sono stato mai pagato e a stento ho ricevuto cibo"
Mavi Ferrando ha lavorato a partire da un bancale tagliato a sbalzo a simboleggiare un cantiere edile; la sagoma, sempre in legno, materiale caro all'artista, di un operaio, o di un'operaia, sospeso per un piede e legato all'impalcatura rappresenta simbolicamente un infortunio certo evitato dalla applicazione di elementari norme di sicurezza.
L'opera, leggera e aerea, fatta più di vuoti che di pieni, ferma l'istantanea di un attimo in cui la vita può essere letteralmente appesa ad un filo, restituendo, insieme all'angoscia per l'accadere ormai quotidiano degli omicidi bianchi, la possibilità della speranza.
Marilde Magni in Il libro nero del lavoro offre il suo contributo per richiamare l'attenzione sui problemi del mondo del lavoro. Un libro in maglia-carta ottenuto ritagliando in strisce sottili articoli di giornali che raccontano di incidenti sul lavoro, licenziamenti, lavoro nero, cassa integrazione, precariato, lavoro minorile, malattie professionali... Strisce che sono state poi lavorate a maglia dall'artista restituendo, insieme alla denuncia, la pazienza, complessità e la professionalità di un lavoro femminile solitamente considerato di poco conto.
Due artisti, Ruggero Maggi e Gretel Fehr, si sono riferiti alla stessa immagine simbolica, il cartello stradale che indica i lavori in corso, per realizzare opere con significati differenti.
Ruggero Maggi ha lavato e ripulito dalle tracce che la Natura aveva pietosamente deposto su di esso un cartello stradale trovato abbandonato in un fosso. Il cartello ora si offre allo sguardo di visitatori e visitatrici come esempio di ciò che si può definire come un lavoro di un artista caotico (nel senso che compie ricerche sulla teoria del Caos) al lavoro!
Gretel Fehr ha invece trasformato in femminile la sagoma della persona al lavoro significando, con questo spostamento, il suo pensiero sul fatto che nel mondo del lavoro le regole sono tuttora maschili. L'artista ritiene che, per lavorare e fare carriera, sia d'obbligo seguire modelli preconfezionati e che ciò valga per uomini e donne, ma che le donne debbano dimostrare quotidianamente di avere capacità sia femminili che maschili.
Anche Fernanda Fedi si ispira al lavoro femminile nella sua opera Donne italiane. Nella parte centrale di un fondo di cartone dorato, elemento che rimanda alla preziosità del genere femminile, una bella foto in bianco e nero di tre giovani donne del primo Novecento che leggono; sulla parte superiore ed inferiore, nomi di donne (anno di nascita e di morte) che hanno costruito la nostra società, donne operaie, donne della resistenza, pittrici, scultrici, poetesse, filosofe,scienziate...
Antonio Sormani e Gino Gini presentano a Vercelli due lavori, già esposti in occasione della mostra il sindacato il lavoro, organizzata dalla Camera del lavoro di Milano nello scorso maggio, ispirati al sindacato e al ruolo che lo stesso assume nella difesa dei diritti di lavoratori e lavoratrici.
Antonio Sormani partendo dall'idea di un paesaggio urbano, ha diviso lo spazio in quattro quadrati e dipinto una casa rossa. Ne è nato un lavoro evocativo dell'architettura della Camera del lavoro di Milano, struttura costruita in mattoni rossi, e dello spirito che la abita, una casa, un luogo dove lavoratori e lavoratrici sentano di potere esprimere liberamente sé stessi, i propri desideri e le proprie debolezze.
Gino Gini, continua la sua ricerca verbo - visuale sull'alfabeto, individuando la lettera S come iniziale della parola Sindacato. Nella composizione nove parole ( ( statuto, diritto, persone, solidarietà, lavoro, cultura, salute, sciopero) significative rispetto alla funzione del sindacato e dei suoi obiettivi si susseguono, in ciascuna di esse viene evidenziata una lettera, le lettere evidenziate ricompongono la parola sindacato.
Antonella Prota Giurleo in Rosazzurrolilla ha dato forma al dolore delle persone omosessuali derivante dal celare la propria sessualità sul luogo di lavoro per non essere vilipese e derise.
Riprendendo l'espressione di un sindacalista "tirar fuori dall'ombra" per indicare la necessità di vivere liberamente la propria sessualità, l'artista ha recuperato oggetti indicanti diverse professioni e li ha dipinti in toni di rosa, di azzurro o di lilla, ad indicare le sfumature della sessualità di ciascuna persona.
Gli oggetti sono stati poi avvolti nella carta velina nera, l'ombra, Le persone che visitano la mostra possono, se lo desiderano, attraverso il gesto di togliere gli oggetti dalla carta nera, "trarre dall'ombra" quanto meno simbolicamente.

n.m.

____________________

fino al 30 ottobre 2009

MATER MATERIAE

Chen Li

SBLU_spazioalbello - Milano, via Antonio Cecchi 8
58, 61, 67, 90, 91, MM1 Wagner o De Angeli

SBLU_spazioalbello si propone di indagare la materia attraverso le sue molteplici forme e visioni con una mostra tutta al femminile.
Tre le artiste: Chen Li, nata in Cina e vive in Italia dal 1976, Marialuisa Sponga, milanese e Thula (Antonella Trapasso), romana. Propongono istallazioni calligrafiche, assemblages di materiali naturali, sintetici e riciclati, bassorilievi pittorici monocromi, per offrire autentiche suggestioni tattili e visive fatte di forme e cromie.
CHEN LI, calligrafa e artista poliedrica interpreta la grande tradizione della scrittura orientale. Le sue opere trasformano le parole in immagini, i segni in emozioni. Il punto di partenza è il singolo segno che contiene tutto il mondo interiore dell’artista. La mostra propone alcune delle ultime creazioni del 2009 che vogliono essere un tributo al grande artista contemporaneo Bruce Nauman e al suo amore per la parola.
MARIALUISA SPONGA, protagonista della Fiber art italiana, possiede un’autentica passione per la manualità
in un’epoca in cui l’aspetto pratico della realizzazione passa in secondo piano.
Fa dialogare le materie naturali con quelle industriali e riciclate, creando opere polimateriche di grande impatto visivo. Grovigli, fili e frammenti si addensano e si diradano, componendo paesaggi astratti e infiniti dove la natura come ispirazione prima è scoperta dall’artista che nello stesso tempo ne subisce il mistero.
THULA, impegnata dal 2000 nella ricerca pittorica, si dedica all’informale con un tipo di pittura da lei stessa definita “materica interiore”. La sua ricerca indaga la realtà intima, gli stati d’animo mutevoli; i suoi sentimenti e le sue emozioni
fluttuano sotto una superficie lucida e luminosa quasi a voler uscire dalla tela.
L’opera diventa specchio incessante dell’intimità di ognuno di noi. Un dialogo tra materia e individuo.

Dal lunedì al venerdì dalle 18,30 alle 20,00, sabato e altri orari su appuntamento

SBLU_spazioalbello 02 48000291 - spazioalbello@esseblu.it - www.sblu.it

n.m.

____________________

sino al 14 novembre 2009

Elizabeth Neel

Galleria Monica De Cardenas - Via Francesco Viganò 4 - Milano
da martedì a sabato ore 15-19

Elisabeth Neel, alla sua prima personale in Italia,utilizza la pittura astratta ed elementi figurativi per evocare la violenza della natura e gli effetti destabilizzanti del tempo. Partendo da esperienze e osservazioni personali, le confronta con immagini esistenti provenienti dalle fonti più diverse. Nel suo lavoro esplora la questione della sincerità emozionale, il rapporto tra percezione individuale e norme culturali. Coscientemente usa e cita elementi e stilemi pittorici, lavorando con spatola e pennello per ottenere sfumature, macchie e gocce, alternando zone pastose e trasparenze, per esplorarne le potenzialità espressive. In questa mostra i dipinti di grandi dimensioni presentano diversi scenari: scene di turbolenze espresse con vigorose pennellate di colore. Queste immagini non sono leggibili in modo tradizionale, ma mantengono riferimenti al mondo visibile, ad eventi storici e alle condizioni della vita contemporanea. Alcune delle tele più piccole s' ispirano ad arrangiamenti floreali. Il bouquet di fiori, come le pennellate di colore sono diventati segni culturali per rappresentare emozioni. Al contempo, dal punto di vista della storia dell'arte, le nature morte floreali sono rappresentazioni della "vanitas": richiami alla mortalità e pregnanti simboli di transitorietà.

n.m.

___________________

dal 26 settembre 2009 al 10 gennaio 2010

Angels of Anarchy: Women Artists and Surrealism

Manchester Art Gallery
Mosley Street, Manchester M2 3JL

Angels of Anarchy is the first major exhibition in Europe to explore the crucial role that women artists played in the surrealist art movement. The exhibition features over 150 artworks, including paintings, photography, sculpture and surreal objects, created by three generations of artists from around the globe. The 32 artists are some of the most important and influential artists of the 20th century, including Frida Kahlo, Lee Miller, Meret Oppenheim and Leonora Carrington. These were radical, revolutionary women whose work still inspires, and sometimes shocks, today. The exhibition explores five different themes which show how women surrealist artists created artworks which challenged and subverted tradition. These themes are landscape, portrait, still life, interior and fantasy.
Portrait/Self Portrait: Traditionally, portraiture has represented women as passive muses or erotic objects. This was strongly evident in art by the male surrealists. The artists in this exhibition set out to challenge this notion. The artworks in this section show how they developed strategies to present identity as something that is not fixed, but is transformative and continually changing, something that can be manipulated to play with and disturb image and gender boundaries. Photographic and painted self portraits feature alongside little explored photographs of women surrealists by women surrealists, such as Dora Maar's and Lee Miller’s candid images of their contemporaries, as well as rarely seen images of Frida Kahlo by Lola Alvarez Bravo, including a poignant portrait of Kahlo’s studio after her death.
Landscape: Women surrealist artists subvert the traditional landscape in different ways. Rock formations, beaches and desert sandscapes take on human characteristics. In Ithell Colquhoun’s Scylla, rocks take on the shape of a pair of thighs and in L’Esprit saint Jane Graverol transforms the female silhouette into a rocky seascape. Throughout this section images of rocks, holes, gaps and spaces in the landscape, such as Lee Miller's Portrait of Space or Eileen Agar's Rocks at Ploumenach, are represented as bodily parts and become imbued with erotic significance. The artists depict environments which are barren, desolate and impermanent, as if in a state of transformation. This represents the nomadic lifestyle of constant travelling and moving from place to place experienced by many of the artists represented.
Interior: Interiors in the world of women surrealist artists become strange, unfamiliar and uncanny spaces. They oppose the traditional view that a woman’s place in the world is confined to the home. Some artworks examine conventional, eroticised representations of women in bedroom scenes. In other works, domestic interiors are depicted as dark, claustrophobic or barren spaces - the stuff of nightmares, such as Dorothea Tanning’s Eine Kleine Nachtmusik or Remedios Varo’s Insomnia. Interior spaces take on different meanings, redefined as the spaces inside the artist’s head – spaces of memory, dream, desire and, above all, of freedom of imagination and expression.
Still Life: Traditional still life painting usually features subject matter such as arrangements of food, flowers or objects. Women surrealists reworked still life to challenge how women's roles and bodies have traditionally been represented. They often draw comparisons between body parts and food, using surrealist puns and juxtapositions to 'dish up' the objectification of women in a male-dominated world.Some artists used found materials and animal matter such as wood, cork, coral and embalmed birds to assemble beautiful, but sinister surreal objects. Other artists put themselves into the artwork, such as Francesca Woodman’s torso in her photograph Three Kinds of Melon and Mimi Parent's own hair in the object Maitresse.
Fantasy: Fantastic scenarios played a significant role in women surrealists' artistic production. Fantasy offers fertile ground to explore unconscious drives and desires, but also to examine the uncanny and the world of dreams alongside the world of everyday life. The artists delved into the world of dreams, myth, folklore and fairytales. Images of goddesses, visionaries and hybrid beings are re-worked to tell new stories and present alternative identities for women. The sphinx, which in classic mythology has the head and breasts of a woman, the body of a lioness and the wings of an eagle, is a repeated figure (seen in Jane Graverol’s L’Ecole de la Vanité). The angel is also a recurring figure and one of the key symbols of women surrealists, as a gender-ambiguous divine messenger operating between worlds.

n.m.

____________________

dal 26 settembre 2009 al 10 gennaio 2010

Francesca Woodman

Santa Maria della Scala
piazza Duomo
Siena

inaugurazione venerdì 25 settembre ore 18.30

sms contemporanea, il centro di arte contemporanea del Santa Maria della Scala di Siena, in collaborazione con l’Espacio AV di Murcia e l’Estate di Francesca Woodman di New York presenta una grande mostra retrospettiva di Francesca Woodman composta da 114 fotografie, alcune delle quali inedite.

Nata a Denver nel 1958, figlia degli artisti Betty e George Woodman, Francesca cominciò a lavorare col mezzo fotografico a soli tredici anni di età, quando realizzò il primo autoscatto. Nei nove anni che separano questo esordio dall’abbandono volontario della vita, avvenuto nel gennaio 1981 a soli ventidue anni, l’artista ha continuato a fotografare se stessa in ambienti domestici, in mezzo alla natura, sola o con amiche, nel vivo di azioni e performance appositamente progettate.
Le serie fotografiche più significative si identificano con i luoghi dove sono state realizzate e ripercorrono i passaggi essenziali della sua biografia: la prima ha per scenario Boulder, nel Colorado, e data agli anni della scuola superiore, la seconda riguarda l’intenso periodo di formazione presso la Rhode Island School of Design di Providence, seguita da quella, molto ricca, che fra 1977 a 1978 venne eseguita a Roma. New York, da una parte, e la natura incontaminata della MacDowell Colony nel New Hampshire rappresentano le fasi estreme della sua opera.

Quasi tutta la produzione dell’artista vive nel rapporto tra il proprio corpo, oggetto e soggetto degli scatti, e il proprio sguardo, nella dialettica cioè che s’instaura fra la Francesca Woodman artista e la Francesca Woodman modella di se stessa. Di sé non offre mai alcuna visione idealizzata, eroica, caricata di particolari significati; al contrario, la propria immagine è sempre inserita nell’universo delle cose, come fosse una di esse o, meglio ancora, parte di esse. Ecco allora che il corpo di Francesca quasi si assimila con l’intonaco dei muri, gioca con la propria ombra, compare da porte e finestre, si nasconde tra i mobili e gli oggetti; la luce ne sfalda la consistenza piuttosto che esaltarla, oppure ne tornisce le forme purché siano sempre colte come frammenti, come particolari. Tratti caratteristici e ricorrenti sono anche l’assenza del volto, tagliato via dall’inquadratura - o nascosto da maschere, dai propri capelli, da una torsione del collo o del busto - e la dimensione performativa, ben evidenziata anche dai pochi minuti di video girati dall’artista che sarà possibile vedere nel percorso della mostra.

La mostra, a cura di Marco Pierini e Isabel Tejeda, è accompagnata da un catalogo edito dalla Silvana Editoriale con testi di Isabel Tejeda, Marco Pierini, Rossella Caruso e Lorenzo Fusi.

m.m.

_____________________

13 settembre 2009

Installazione di Louise Bourgeois al Castello di AMA

E' ospitata in un'antica cisterna nella fattoria di Ama la scultura in marmo rosa 'Topiary' realizzata proprio per questo luogo da Louise Bourgeois, 97 anni, una delle personalità più rilevanti del panorama dell'arte contemporanea. L'opera, visibile da oggi nel borgo senese, è un esempio di ars topiaria nella rielaborazione della Bourgeois, l'arte di dare alle piante forme umane o geometriche. Come tutti gli altri artisti, da Michelangelo Pistoletto a Daniel Buren, che hanno lasciato un segno ad Ama, anche la Bourgeois ha interpretato al meglio lo spirito del luogo. Ad ispirare il lavoro è stato, tre anni fa, l'incontro di Lorenza e Marco Pallanti con l'artista nella sua abitazione newyorkese. A questo è seguito il racconto del luogo fatto da Jerry Gorovoy suo inseparabile assistente, da anni vero e proprio braccio destro dell'artista. Inoltre, la Bourgeios si è avvalsa di alcuni video con immagini del paesaggio, delle ville, delle cantine, ma anche del lavoro quotidiano, della vendemmia, della raccolta delle olive, che le sono stati inviati. "Siamo onorati di poter esporre un'installazione di Louise Bourgeois", ha dichiarato Pallanti, direttore del progetto 'Castello di Ama per l'arte contemporaneà. "Un sogno - ha aggiunto - che inseguivamo da tempo. Un'idea che ha iniziato a concretizzarsi quando abbiamo avuto l'opportunità di incontrarla: un colloquio fantastico in cui rimanemmo sorpresi dalla sua voglia di conoscere, colpiti dalla curiosità riguardo al nostro progetto e dalla vivacità dei suoi occhi". Gli altri artisti che hanno lasciato una loro opera ad Ama sono Giulio Paolini, Kendell Geers, Anish Kapoor, Chen Zhen, Carlos Garaicoa, Nedko Solakov, Cristina Iglesias. (ANSA).

vedi Una forma femminile in marmo rosa di Louise Bourgeois di Elena Del Drago

m.m.

_____________________________

10 dicembre 2009 – 17 gennaio 2010

Fausta Squatriti

Museo d’Arte Moderna di Mosca, POSSIJSKAJA AKADEMIA CHUDOZESTV Ul. PRECISTENK’A, 21,

La mostra, organizzata e curata da Evelina Schatz, poeta, storica dell’arte, membro effettivo dell’Accademia Internazionale di futurologia di Mosca, e molto altro, eminente personaggio della cultura sia russa che italiana, sarà accompagnata da un esauriente catalogo in russo, italiano e inglese, edito da CHARTA, con testi inediti di Evelina Schatz, Vitaly Patsjukov, Mikhail Pogarsky,  Alberto Di Mauro, Elisabetta Longari, Angela Madesani

Installazioni, opere a muro e tridimensionali, presenteranno la ricerca dell’artista compiuta dal 1998 ad oggi, in quattro  cicli tematici.

Fausta Squatriti, artista visiva, poeta, narratrice, saggista, docente, esperta di editoria d’arte, è  nota in Italia e all’estero già dagli anni ’60, avendo esposto in prestigiose gallerie, in capitali europee e americane, New York, Huston, Honolulu, Stoccolma, Caracas, Ciudad Mexico, Caracas, Tel Aviv, Parigi, Ginevra, Milano, Dusseldorf, ed altre,  partecipando a numerosissime esposizioni di gruppo e di tendenza, si è sempre differenziata dalle ricerche in atto, pur partecipandovi in prima persona.
 Ha al suo attivo parecchi testi di poesia e prosa pubblicati, e collabora a riviste specializzate, sia in arte che in letteratura, con testi creativi e critici.
La sua ricerca sul linguaggio la porta ad avvalersi liberamente delle tecniche a lei utili, dalle più antiche come l’acquarello o il disegno, alle fusioni in resina, alle stampe digitali, alle costruzioni in ferro, acciaio e pietra, con un suo personalissimo linguaggio che assume dentro al proprio lavoro le istanze  proposte dalle avanguardie del ‘900, facendo dell’opera il luogo della meditazione etica sull’esistente, insistendo, in modo sempre profondo, specie negli ultimi vent’anni, sulla dolorosa contraddizione insita nella società di impronta occidentale, ma non solo.

Emblematico è il titolo dato alla mostra, preso a prestito dal linguaggio simbolico cristiano, “ECCE HOMO” : ecco qui l’uomo, nel suo dolore, nella sua miseria, e nella sua misteriosa grandezza, a causa della quale è spesso denunciato, perseguitato, esattamente come accadde a Cristo di fronte a Ponzio Pilato.
Una situazione che non ha mai smesso di ripresentarsi.

I cicli che saranno esposti riguardano dieci anni di ricerca attorno alla storia dell’umanità, della sua gloria e della sua miseria, e della natura così come è stata adattata, sia in positivo che in negativo, diventando anch’essa parte della incessante elaborazione della realtà, nelle mani dell’uomo.

“Requiem per la specie e per la macchina”. 1997-98
La solitudine dell’umanità e delle sue macchine, create a imitazione della forza muscolare, ora abbandonate per nuove tecnologie che imitano sempre più l’intelligenza umana e non la sua forza. La carne viva si crea in laboratorio, le nuove tecnologie ragionano come l’intelligenza, un robot bambino, cresce e apprende, diventerà adulto.
 La macchina umanistica ha un vecchio corpo in disuso. Era giunto il tempo di rendergli onore con un Requiem.

“Beata solitudo sola beatitudo”. 2002-05
E’ il motto della vita monastica. Ma per chi monaco non è, non dovrebbe esserlo. Eppure esiste anche a solitudine dei luoghi, che ci parlano della disillusione, assai meglio degli umani protagonisti.  Costruzioni fatte per essere abitate dall’uomo, decadute, inutili, patetiche. La natura strumentalizzata, impoverita, abbandonata. Luoghi e natura, ugualmente sventrati, lasciati a marcire lentamente, prima che ci si decida a farli sparire, avanzi che costa troppo caro rimuovere, e che dalla loro presenza/assenza, testimoniano la propria obsoleta esistenza.

“Ecce homo”. 2005-09
E infine, la solitudine dell’alienazione mentale, l’osservazione della soglia tra ragione e follia, tra norma e normalizzazione del fuori norma, come diventano le ossessioni della mente malata. I corpi di chi possiede una mente malata, sono relitti, abbandonati perché inservibili, accuditi il meno possibile.  Eppure conservano, gli ammalati presenti in questo ciclo di lavoro di Squatriti, una dignità stupefacente. A capo chino, stanno abbracciati l’uno all’altro sulla branda sfondata, a seno nudo, si rifanno il letto, camminano lungo un corridoio. Tengono la testa bassa, non hanno nulla da guardare.
Per loro, dice tutto lo sguardo, diritto nel nostro, inguardabile, di una scimmia torturata da esperimenti scientifici. In quel muso/volto quasi umano, sta il dolore immenso di chi non sa perché sta soffrendo.

 “ Storia al nero”. 2009
Il ciclo comprende tre opere tridimensionali.
 “ Ritratto dell’artista da giovane”. “Sudario”. “Alter ego ”.
I tre lavori riguardano l’epilogo dell’indagine sul dolore.
L’artista non è più in grado di continuare a vedere il male, non riesce più a sopportare il dolore, la disillusione. La sua testa si è rotta, gli strumenti ingenui per vedere amorevolmente, per capire meglio il mondo vicino, da lui stesso creato, binocolo, cinepresa, flash, con i loro astucci, sono ridotti a calchi grigi, pietrificati con estrema esattezza, come ritrovati sotto la lava di Pompei. La residua innocenza, rappresentata da un cestino dell’asilo di un bambino dei primi del novecento, è stata ridicolizzata. La voglia di costruire, raffigurata nell’ installazione da un fascio di liste di legno ben legati tra loro, pronti per essere trasportati e usati, anch’essa non ha più ragione di esistere. Questi oggetti circondano la stele di acciaio lucidissimo, asettica come un appoggio da obitorio,  sulla quale sta infissa, come misero trofeo di guerra, e monumentino funebre, la testa dell’artista, da giovane.
Il titolo è un omaggio a Dylan Thomas, così come “Storia al nero” è omaggio alla Yourcenar.

Sudario è un drappo, annodato su se stesso, un grumo organico sgocciolante, e irrigidito anch’esso dentro una colata lavica. Sta appeso a un gancio di ferro ruggine, a sua volta infisso in un cerchio di lucido acciaio. Agli altri ganci, manca qualcosa da reggere.

Alter Ego  è un trittico le cui due ante sono tenute socchiuse, lasciando intravedere l’interno in acciaio a specchio, ove sta appeso, a testa in giù, un faro potente, ora immerso nel bitume, relitto ed emblema di una luce che è stata drammaticamente oscurata. Si riflette nell’algida bellezza dell’acciaio, divenendo quasi organico.
 Le ante all’esterno sono decorate a stampa con teschi dipinti da una mano abile e leggera, nel settecento, sul catafalco di  una chiesa di campagna, quando la morte, evento naturale e poco contrastato, era tratteggiata con eleganza.

m.m.

_________________________

BOX SHOCK
1-30 Ottobre 2009
Milano - Monza - Sesto San Giovanni

Box Shock, progetto ideato da Ronald Lewis Facchinetti, è un network di eventi di arte contemporanea, musica e design che si svolge per tutto il mese di ottobre a Milano, Monza e Sesto San Giovanni: quattro curatori, oltre 40 artisti e 70 installazioni collegate attraverso un museo-labirinto urbano allestito in strutture innovative nelle città.

Tra le varie esposizioni segnaliamo:

MuseoLabirinto
Box Up Self Storage
via San Maurizio al Lambro 1, Sesto San Giovanni
17-31 ottobre 2009

I contenitori di bellezza si ritrovano e collegano in una figura archetipa: un MuseoLabirinto di arte contemporanea “a celle” con oltre 25 installazioni di artisti e designer per perdersi e poi ritrovarsi attraverso l’arte. All' interno dell'innovativo spazio Self Storage Box Up a Sesto San Giovanni, per gni box un'installazione. Da non perdere l'evento di inaugurazione il 17 ottobre a partire dalle ore 19.

Installazioni e opere di: 3Stanze, Alberto Barazzutti, Luca Bonfanti, Chiara Boniardi, Irene Cabiati, Federico Caporal, CtrlZak, Pietro Cauduro, Sabrina d'Alessandro, Alessia De Montis, Lucia Elefante, Epiptemide, FAB3, Gianluca Ferrari, Ferrario Freres, Anna Finetti, Nadia Galbiati, Roberto Kusterle, Luca Lischetti,  Layermatch,  Lien Nollet,  Pommefritz, Elisabetta Oneto, Susanna Pozzoli, Valentina Ornaghi, Chiara Valdambrini, Claudio Prestinari.

I am what I am
Watttredici Hotel
via Watt 13, Milano
13-30 ottobre 2009
Installazioni MindCube per confrontarsi con se stessi attraverso giochi di specchi e luce. Opere di Lien Nollet, Alessia De Montis, Feliciano dal Pra, Giuseppe Polisca, Celina Spelta.

m.m.

_________________

dal 18/9/09 al 21/10/09

Regina Jose' Galindo
Juegos de poder

Prometeogallery - via G. Ventura, 3 - Milano - 02 26924450
mar-sab 11-14, 15-19

Immigrazione, volontà, nudità, empatia, biologia, potere, rabbia, sadismo, disperazione, costrizione e libertà sono le parole attorno a cui si articola da sempre il discorso artistico di Regina Jose' Galindo. Nelle performance a queste parole presta il suo corpo, usandolo come se non le appartenesse, come uno specchio. Nel lavoro che da il titolo alla mostra Regina Jose' Galindo segue pedissequamente le istruzioni di un ipnotizzatore.

Questo pezzo si inserisce in una lunga ricerca sulla natura sadica e sulla irrefrenabile sete di libertà incontrollata del potere. Su questa faglia insiste il lavoro di Regina. L'attenzione ricade sull'incapacità psicologica del potere di colmare il suo stesso vuoto. Quando la Biennale de L'Avana le chiede di partecipare con un suo lavoro, l'artista con molta ironia invia un suo mezzo busto, opera che distrugge il mito dell'artista politico e allo stesso tempo lo rafforza.

In America's family prison vive per 24 ore dentro una cella assieme alla sua famiglia e poi la lascia aperta in modo che il pubblico possa esperirla come se fosse un oggetto d'arte. Per Curso de supervivencia para hombres y mujeres que viajarán de manera ilegal a los Estados Unidos organizza per dei futuri clandestini una serie di lezioni in cui si apprende come resistere alla fatica, come orientarsi e leggere le mappe, nozioni di primo soccorso, come accendere un fuoco e come scalare un muro, insomma come riuscire a sopravvivere in condizioni estreme. In Let's Rodeo si sottopone ad un'estenuante prova di resistenza a cavallo di un toro meccanico nel vano tentativo di domarlo.

Nell'ultima fase della sua produzione Regina Jose' Galindo ha iniziato ad includere il pubblico nel ruolo di rivelatore e liberatore del suo corpo. In una recente azione realizzata a Livorno nel luglio di quest'anno - Libertad condicional - l'artista e' sdraiata sulla ghiaia e incatenata al centro di uno spazio definito solo da uno spot luminoso. Davanti a lei un ricco mazzo chiavi, mentre intorno si aggira il pubblico. Appagata la vista, dopo un po' qualcuno si avvicina, la tocca e l'accarezza a lungo sulle mani e sul volto come a sentire di cosa e' fatta, poi prova a liberarla. Subentra un'altra persona e un'altra ancora, finche' il lavoro e' compiuto, le catene sono sono sciolte. Questa volta la libertà dipende dagli altri.

Regina Jose' Galindo (Città del Guatemala, 1974) ha partecipato alla Biennale di Venezia nel 2001 e nel 2005, edizione nella quale ha vinto il Leone d'oro come miglior artista under 35. Quest'anno e' presente a Venezia nel progetto speciale -The Fear Society - Pabellón de la Urgencia- curato da Jota Castro per la regione di Murcia. Il suo lavoro e' stato esposto - tra gli altri - al PS1 di New York, a Le Plateau a Parigi ed e' parte di numerose collezioni pubbliche e private. Ad ottobre inaugurerà una sua importante personale a New York presso Exit Art e in dicembre sarà presente ad Art Basel Miami nella sezione Art Nova.

n.m.

_____________________

sabato 19 settembre 2009

nell'ambito della Notte Bianca per la Pace, organizzata dalla Città di Corsico
Associazione di donne GALASSIA. c/o Camera del Lavoro. Via Foscolo 17. 20094 Corsico (Milano)

Diritti per tutte e per tutti
Cortile di via Cavour 82-Corsico
collettiva di installazioni e di opere bidimensionali su carta e su tela

Artiste e artisti: Janine Arnaud, Regina Carmona, Marisa Cortese, Lella Corvi, Gertrud Eder, anna Rosa Faina gavazzi, Gretel Fehr, Dorothea Fleiss, Bartosz Fraczek , Ornella Garbin, Pirjo Heino, Jacopo,  Isabel Jover, Vince Juhas , Renuka Kesaramadu, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Veronica Menni,  Gilia Montanella, Vahida Nimanbegu, Carmen Poenaru,  Antonella Prota Giurleo,  Cesar Reglero Campos, Antonio Sormani, Giuseppe Strano Spitu, Mirela Traistaru, Laurette Wittner

Inaugurazione: ore 18,30 con performance
Durata: sino alle 24 della sera stessa
Curatrice: Antonella Prota Giurleo 
Informazioni: Silvana Gatta, presidente Galassia

Nell’ambito della Notte Bianca per la pace, organizzata dall’amministrazione comunale della città di Corsico in collaborazione con le associazioni culturali  per sabato 19 settembre  2008, l’associazione di donne Galassia ha proposto ad artiste ed artisti  la realizzazione di una mostra.
Opere bidimensionali su carta e su tela saranno esposte in cornici a giorno; teli dipinti comporranno un’installazione, Il bucato così come, appesi con mollette, saranno i testi sulla pace raccolti. Il tutto  nel cortile di un’antica casa del 1700, ora completamente ristrutturata,  nel centro della città.
Le donne di Galassia, unite da uno spirito solidale che le lega ai meno fortunati, come ogni anno si pongono un obiettivo che, per questa NOTTE BIANCA PER LA PACE è quello di raccogliere fondi per collaborare alla costruzione della scuola di Fontecchio,   in Abruzzo , la regione italiana colpita quest’anno dal terremoto.
Abbiamo chiesto ad artiste ed artisti di vari paesi di donare una loro opera per un progetto di solidarietà; l’adesione è stata importante, sono pervenuti lavori da molti  paesi: Francia, Brasile, Austria, Germania, Romania, Polonia, Finlandia, Spagna, Montenegro, Serbia, India, Italia.  
Le opere donate potranno essere acquistate, ad un prezzo simbolico, dalle persone in visita alla mostra che potranno fare le loro proposte.
Il ricavato sarà versato sul cc. Postale aperto dal Comune di Corsico  destinato alla ricostruzione della scuola. Il Comune, insieme alla Protezione civile, seguirà passo passo la realizzazione del progetto.
Una scelta di solidarietà per dare un senso vero e profondo a questa Notte Bianca per la Pace.

m.m.

____________________________

19 settembre 2009

Segni, Colori, Occhi, Parole in libertà

Chiesa di San Bernardino. Via Duomo. Vercelli

Mostra collettiva a cura di Paola Caramel e Dario Gaito
Orari: da martedì a venerdì 16 - 19; sabato e domenica 10 – 12 e 16 -19; lunedì chiuso.

la mostra prosegue fino al 4 0ttobre 2009

Artiste e artisti: Osvaldo Alberti, Filippo Altomare, Ezio Balliano, Tiziana Baracchi, Bruno Beccaro, John M. Bennet, Francesca Bernardi, Carla Bertola, Tomaso Binga, Anna Boschi, Andrea Bovara, Guido Capuano, Laura Cesana, Mario Conte, Natale Cuciniello, Franco De Bernardi, Otello De Marchi, Isa Di Battista Gorini, Mario Di Giulio, Fausto Fabiano, Fernanda Fedi, Mavi Ferrando, Antonino Fulci, Roberto Giannetti,  Gino Gini, Scott Helmes, Mauro Lovisetti, Ruggero Maggi, Maria Grazia Martina, Fabrizio Molinario, Carola Pasquino, Walter Pennacchi, Gian Piero Prassi, Antonella Prota Giurleo, Massimo Romani, Sabina Romanin, Vito Russo, Antonio Sassu, Evelina Schatz, Eugenia Serafini, Luigi Sergi, Gruppo Sinestetico, Stefano Soddu, Luigino Solamito, Pippa Spinoccia, Leo Strozzieri, Gianfranco Tomassini, Giuseppe Luca Torraco, Emilio Urbano, Silvia Venuti, Guido Villa, Alberto Vitacchio

Il progetto Il futuro del futurismo a cento anni dalla nascita 1909 – 2009 dopo le prime tre iniziative imperniate sulla verbo visualità , sulla poesia, musica e canzoni a passo di Jazz entra ora nel vivo, secondo il nostro pensiero di approccio graduale ma ampio e approfondito al Movimento Futurista, con questa esposizione d’arte dal titolo Segni, Colori, Occhi, Parole in Libertà.
Cinquantaquattro artisti provenienti da ogni parte d’Italia, due dagli Stati Uniti e un’artista da Lisbona, convergono in questa mostra presentando ciascuno opere di pittura, scultura, fotografia, video, installazioni e mail art in una lettura non celebrativa ed encomiastica ma critica e profonda del movimento Futurista, tenendo però fermo e ben evidente lo spunto di guardare al Futuro con altri occhi, con attenzione, spirito che cento anni orsono aveva animato il Movimento Futurista e che ora, in condizioni storiche e sociali completamente diverse, anima gli artisti che hanno creduto a questo progetto. Momento quindi di incontro, di confronto, in una visione costruttiva e comunitaria dell’arte nel nome dell’Uomo e della sua crescita culturale, spirituale e sociale.
Un grazie di cuore agli artisti che hanno partecipato con entusiasmo a questo progetto, certi che sia l’inizio di una profonda collaborazione per altre future iniziative nel segno dell’amicizia e della libertà.
Un grazie di cuore a tutti coloro che con il loro contributo economico hanno reso possibile lo svolgersi di questo progetto, dedicato al futurismo.
                                                           Paola Caramel e Dario Gaito

m.m.

____________________________

LETTURA DI SCRITTURA DI DONNE
Incontri organizzati dall’ associazione di donne Galassia  e dal Circolo ACLI Il sogno

Gli incontri, coordinati da Antonella Prota Giurleo,  con le letture di Maria Carla Rossi si svolgeranno il mercoledì, dalle ore 21 alle ore 23, presso il BEM VIVER Cafè ( ACLI)  in via Monti 5 a Corsico, nella saletta di sotto.

MERCOLEDI’ 16 SETTEMBRE
Laura Ferrante presenta la sua raccolta di racconti Nuovi scritti

 

MERCOLEDI’ 30 SETTEMBRE
Valentina Balata racconta di Nawal Sa'adawi  
La Rivolta dell'oggetto: Creativita' e Dissidenza di una donna Egiziana....
"Firdaus" e altri scritti

 

MERCOLEDI’ 14 OTTOBRE
Dorothé Beekhuizen  e Joan van der Linden presentano Mareggiata  di Margriet de Moor
Edito da Neri Pozza Editore, Vicenza, 2008
Titolo originale De verdronkene  2005

 

MERCOLEDI’ 28 OTTOBRE
Vittoria Latella presenta Lolita a Teheran di Azar Nafisi

 

Nel corso di ogni appuntamento sarà presentato il testo di una scrittrice, saranno letti alcuni brani e si ragionerà a partire da questi. Ogni  donna potrà, se lo desidera, dire il suo ritrovarsi nella scrittrice a partire dai brani letti ed esprimere il proprio pensiero.

I tempi saranno suddivisi  circa così:
20' di presentazione di sé, della scrittrice e del testo,
20' per la lettura dei brani scelti,
20' di ragionamento "a partire da me io mi ritrovo in...",
10' di intervallo,
40' di ragionamento,
10' di anticipazione incontro successivo.

m.m.

_________________________

L'Associazione Sassetti Cultura, il Circolo Culturale Bertolt Brecht e la StatArt
propongono, col patrocinio della Provincia di Milano

Vladimir Vladimirovic Majakovskij,

BRUCIARE I PONTI DELLA RITIRATA

presiede Francesco Tripodi a cura di Lorenzo Argentino e Vera Carminati Progetto di Attilio Zanchi

Fiorire tra le Pietre

"L’ultimo poeta sfida la noia e consegna la sua certezza - sussulto della volontà e lacrima – all’inanellarsi futuro dei giorni. L’utopia non si stanca di fiorire tra le pietre, pur consumata dal disincanto. L’erosione del sogno e la disperazione di un destino che cristallizza le debolezze del presente distillano una sofferenza sottile, rigata di sarcasmo, nodo amaro che si stringe la gola. La libera, fervida, vivificante forza della creazione – rivoluzione d’anima, oltre che di popolo – poi prende di nuovo il sopravvento e allora una svolta del respiro e il bagliore della possibilità rischiarano il grumo oscuro dove si addensa l’immutabile, il passivo, il putrefatto grigiore di un’umanità sterile, morta prima di conquistare la vita. Majakovskij oscilla nell’instabilità inquieta di un entusiasmo che non si lascia ridurre alla convenzione e nella coscienza dell’avanzare onnivoro del sistema, che alla passione sostituisce la quadratura della burocrazia, alla certezza viva una verità universale ed esangue, al pulsare della rivoluzione il fetore della stagnazione l’orrore del patibolo. "

Vera Maria Carminati

Inaugurazione giovedì 10 settembre 2009 alle ore 18.00

Artisti partecipanti: Alice Arisu - Claudio Bettolo - Elvira Biatta -
Michele Boffelli - Claudia Bonandrini - Ilaria Borraccino - Massimo Brazzini - Montalto Carla - Sergio Chittolini - Giorgio Da Valeggia - Diana Debord - Fausta Dossi - Roos Eelman - Elfo & Sfmc - Gabriele Ercoli - Stefania Infante - Nadia Magnabosco - Leonardo Zuccaro Marchi - Luca Migliore - Mr. Fragile - Lucio Oliveti - Luca Pantina' - Federica Piscopo - 5° Livello - Jack Ravi - Anna Ronchetti - Serena Rossi - Hayat Saidi - Alessandro Sala - Vittorio Sedini – Senso - Jacopo Silvestri - Stefano Spera - Giulio Vesprini - Attilio Zanchi

Programma:

18.00 - Inaugurazione e presentazione generale dell'evento da parte del
presidente dell'Associazione Sassetti Cultura, Francesco Tripodi
18.15 - presentazione multimediale del profilo dell'artista (Majakowskji)
nel suo contesto storico-culturale a cura della dott. Vera Carminati
18.30 - presentazione dei lavori degli artisti "Senior" a cura della dott.
Vera Carminati
18.45 - presentazione dei giovani artisti a cura di Bianca Maria Grassi
19.00 - performance "Ring" a cura di 5° Livello
20.00 - concerto della "BANDA DELLE DONNE...in balia della Maria"
21.00 - brindisi finale

LA BANDA DELLE DONNE (in balia della Maria)

La mostra resterà aperta dal 10 al 24 settembre 2009, tutti i giorni
dalle 15.30 alle 18.30

ASSOCIAZIONE SASSETTI CULTURA Via Volturno, 35 - 20124 Milano (MM linea verde Gioia) - Tel. 0269002988 - Fax. 0269002988

n.m.

vedi recensione di Marcella Busacca

___________

n.m.

___________

fino al 13 settembre 2009

Sophie Calle

al Palais des Beaux Arts de Bruxelles
Bruxelles

E’ la voce di Frederic Mitterand ad accompagnarci nella lettura delle immagini e delle parole di Sophie Calle, in una delle retrospettive più attese dei prossimi mesi estivi.
Il multiforme e dinamico Palais des Beaux Arts di Bruxelles rende omaggio all’artista francese che la Francia aveva scelto come unica rappresentante all’ultima edizione della Biennale di Venezia (2007), occasione in cui l’artista aveva presentato il complesso e intimo lavoro dal titolo Prenez soin de vous colmando ogni angolo dell’ampio padiglione francese.
Nell’esposizione, che proseguirà fino al 19 Settembre 2009, Calle sceglie di mostrare e mostrarsi attraverso una ventina di lavori, tra quelli più intimi, in cui la sua esperienza personale è più direttamente coinvolta.

La ricerca di quest’artista ha inizio negli anni novanta, momento in cui le arti visive adottano i più molteplici e differenziati linguaggi per esprimersi, ma è possibile individuare un comune atteggiamento che mira a rileggere e recuperare, secondo nuove letture e interpretazioni critiche, le immagini e le eredità delle avanguardie e delle correnti artistiche passate. Particolare attenzione viene rivolta alle sperimentazioni degli anni settanta e ai linguaggi legati alla Minimal Art e all’Arte Concettuale.
Il lavoro di Sophie Calle mostra alla base l’innovativa concezione di opera d’arte con la quale Joseph Kosuth aveva inaugurato la poetica concettuale negli anni settanta, ma la sua ricerca si spinge oltre e rivela subito i suoi aspetti originali e del tutto legati all’individuo artista-protagonista.
Se di sapore concettuale è l’adozione di un’espressione che sfrutta tre linguaggi (fotografico, dell’oggetto stesso e della parola), mantenendo sempre una distanza tra questi e salvaguardando una loro, seppur in apparenza, reciproca indipendenza, innovativo e del tutto personale risulta il coinvolgimento in prima persona che l’artista attua nella sua ricerca. I soggetti che Calle pone al centro delle sue operazioni artistiche sono raccolti dalla vita quotidiana, spesso quella che le passa accanto, in alcuni casi sono vicende che lei ha personalmente vissuto.
Sophie Calle non vuole spingersi lontano, non è interessata a temi universali né ad argomenti contorti e di difficile approccio. Lei concentra l’attenzione su ciò che la circonda più da vicino e rivolge lo sguardo subito dopo in se stessa, nel suo animo. “ Sophie Calle è il modello della sua opera, o la sua trasformazione. Lei non è però il centro e quindi non ne è l’asse vorticoso” : così la racconta Marie Desplechin; e prosegue dicendo che l’opera della grande protagonista francese dell’arte: “è centrifuga: ciò che lei vi inserisce di se stessa, le sfugge e si dissemina”. Una volta posta sotto la lente d’ingrandimento, però, l’artista svanisce, si dissolve lentamente e ciò che resta siamo noi. La sua opera non fa uso di molte parole, le poche che sceglie servono a stimolare ragionamenti e discorsi più complessi, ulteriore digressioni. Come una fontana, per la quale qualsiasi argomento, saggio e erudito, ma anche banale e comune, è ben accolto. Nelle sue immagini, Calle vuole che noi ci perdiamo, sprofondando per poi risalire e non trovare altro che noi stessi, giungendo così a leggere ogni volta in un modo nuovo e del tutto personale il racconto che Sophie ci narra. (Francesca Campli)

m.m.

___________

4 luglio - 4 ottobre 2009

L’Italienne de Paris

Museo Revoltella
Via Diaz 27 d - Trieste
Orario: tutti i giorni 10-18; chiuso tutti i martedi’
Biglietti: intero euro 7, ridotto euro 5

“oh cara Leonor
mio bel gufo incantato
dove ti posi
l’aria diventa oro” Elsa Morante

Finalmente in Italia una grande mostra dedicata a Leonor Fini. Curiosamente, ma non troppo, e’ trascorso giusto un quarto di secolo dall’ultima importante, allora proposta da Palazzo dei Diamanti a Ferrara. A sanare ora questa incredibile assenza e’ Trieste, città di infanzia e formazione della Fini.

Al Museo Revoltella, per iniziativa dello stesso Museo e dell’Assessorato alla Cultura del Comune, dal 4 luglio al 4 ottobre si potranno ammirare ben 150 opere dell’artista, molte - e non poteva che essere cosi’ - provenienti da musei e collezioni internazionali. Con i celebri oli, la mostra proporrà anche le non meno famose foto della Fini, i suoi disegni, le illustrazioni per libri e altre testimonianze selezionatissime della creatività dell’artista. La mostra e’ curata da Maria Masau Dan, Direttore dei Revoltella, con la collaborazione di studiosi ed esperti italiani e francesi.

La definirono “splendida diavolessa”, per Marx Ernst era “la Furia italiana di Parigi”. Lei, Leonor Fini (Buenos Aires, 1907-Parigi, 1996), bellissima, cosmopolita, gran sacerdotessa delle feste pagane di una Parigi ancora capitale culturale d’Europa, affascinava il mondo con la sua personalità e la sua pittura. Erano opere di un simbolismo tutto suo, popolate di donne-gatto, sfingi, giochi di specchi e di doppi, femmine dominanti e maschi quasi assessuati. Dipinti che per Jean Cocteau erano l’espressione di un “realismo irreale” o di un “soprannaturale che era per lei reale”. Per Ives Bonnefoy, che come Cocteau la conobbe bene, quella di Leonor era una “pittura ai limiti del nostro mondo”.

Lei, bella e dannata, domino’, affascino’ Dali’, Man Ray, Giacometti, Magritte, Ernst, Paul Eluard, George Bataille; il bel mondo faceva la fila per un suo ritratto, per anni vendette molto piu’ di Picasso. Dopo Parigi conquisto’ New York, pronuba Peggy Guggenheim, memorabile la sua mostra al MOMA. L’attendeva un rientro trionfale. Alla “sacerdotessa nera” Gabriel Poumerand dedico’ persino un film: “Leggenda crudele”. Negli anni della guerra, visse a Roma, città che amo’ ma che dovette sembrarle un po’ provinciale rispetto alle grandi capitali del mondo. Qui frequento’ Moravia, Fellini, Mario Praz, Fabrizio Clerici, la Morante e fece ritratti celebri come quelli di Alida Valli e della Magnani.

Poi ancora Parigi, icona d’un tempo che era stato, e l’allargarsi dei suoi interessi alle arti applicate, alla fotografia, all’illustrazione di testi che le furono cari, dall’amatissimo Divin Marchese e ad Allan Poe, ai suoi amici scrittori e poeti. Scrive (ed illustra) lei stessa dei libri e altri li scrivono su di lei. E poi le scenografie: Balanchine, Camus, Genet e Giorgio Strehler. Ma anche le arti applicate, le maschere (da gatto, naturalmente), i profumi, i vini.. Sempre coltivando con accanimento il suo mito e una bellezza per cui sapeva usare magiche posizioni ma anche l’arte della chirurgia estetica. Vivendo con i suoi innumerevoli gatti ma continuando ad amare solo gli uomini-cane che, obbedienti e festosi, accorrevano ai suoi comandi. Uomini dominati da una bellezza forte e inquietante, tramandata da uno dei piu’ sensuali nudi di Henry Cartier Bresson, ma anche da una vitalità che sembrava non accettare limiti. Si racconta che mentre dipingeva i suoi quadri “fatti di vertigine” si contorcesse emettendo urla liberatorie.

Dentro intanto covava una melanconia profonda, il corteggiamento della morte, come annoto’ Jean Genet, in un “teatro tragico” che lei indago’ anche con la psicanalisi. Non e’ forse un caso se, dodicenne, abbia avvertito l’impulso di passare ore nella sala d’esposizione dell’obitorio di Trieste, affascinata dai morti “sontuosamente vestiti”. “Piu’ tardi - e’ lei stessa a raccontarlo - smisi di osservare i morti, ma continuai sempre ad ammirare la perfezione degli scheletri”.
A Trieste Leonor era arrivata piccolissima da Buenos Aires, partatavi da una madre della borghesia mitteleuropea in fuga dal marito e da un matrimonio inutilmente riparatore. Qui visse il cosmopolitismo di una città culturalmente vivissima frequentando Joyce, Saba e Svevo, cui dedico’ un intenso ritratto, ma anche gli artisti locali, sempre insofferente delle convenzioni ed affascinata dal nuovo, fossero anche le teorie freudiane che allora arrivavano dalla parte orientale dell’ex Impero. Scoperta la pittura lascio’ Trieste per Milano dove fu allieva di Achille Funi sino ad una epica lite con un’altra grande donna sulla scena, Margherita Sarfatti. Ma cio’ che cercava era a Parigi dove arrivo’ nei primi anni ‘30 iniziando un’avventura che ebbe poche, sia pur importanti interruzioni. Emula di un’altra Divina, la Garbo, Leonor Fini viveva fortemente il suo mito, senza nascondersi pero’, cercando anzi le luci di un palcoscenico di cui non era piu’ protagonista. Prima che il sipario calasse per sempre in un freddo gennaio del 1996, consegnandola per sempre alla leggenda.

vedi Leonor Fini di Nadia Magnabosco

Leonor Fini: la pittrice venerata dai Surrealisti di Giuseppe Dierna

m.m.

___________
fino al 4 ottobre 2009

Kimsooja
Mumbai-A Laundry Field

Galleria Continua - Le Moulin
46 Route de la Ferté Gaucher
Boissy-le-Châtel 77169

L’artista Kimsooja (nata nel 1957 a Taegu, in Corea; vive e lavora a Parigi e New York) indossa il ruolo della mediatrice visiva e spirituale con la sua metafora della vita, esposta alla contemplazione degli spettatori.

Agli inizi degli anni ’80, Kimsooja inizia a integrare dei tessuti recuperati, colorati e popolari nelle sue opere. Il suo fascino particolare per i supporti tessili inizia nel 1983, in un momento preciso della sua
vita, quando cucì un copriletto coreano insieme a sua madre. Fu in quel momento che iniziò a riflettere al concetto di “dimensione della superficie della pittura”. Quando inserisce per la prima volta un ago nel corpo di un tessuto, prova una grande esaltazione e gioia, come se un raggio infinito di energia stesse penetrando le sue dita e tutto il suo corpo, fino alla punta dell’ago che si infilava nella superficie del tessuto. Questa esperienza molto particolare segna l’avvento dello Yin e dello Yang nella vita di Kimsooja, degli elementi per lei indispensabili che subiranno in seguito varie evoluzioni all’interno della sua arte.

Costituiti da colori gioiosi e decorati con dei ricami simbolici, questi tessuti sono tradizionalmente utilizzati dalle persone come copriletto, ma anche per modellare delle borse destinate a trasportare i loro effetti personali. Slegati da un contesto utilitario, questi tessuti allegri sviluppano la loro propria estetica e diventano un simbolo universale della vita stessa. Benché agli inizi del suo lavoro primeggiasse il carattere dell’oggetto, il corpo umano diventa l’oggetto stesso, nello spazio e nel tempo, in occasione dell’installazione Sewing into Walking (1994), nella quale l’artista utilizzava il corpo come un “ago” simbolico per collegare i copriletto.

L’opera Mumbai-A Laundry Field, esposta a Galleria Continua / Le Moulin sotto forma di video in alta definizione, proviene dalla serie A Needle Woman (1999-2001 e 2005). La serie fu filmata in grandi città e altri luoghi in varie parti del mondo. L’artista, vestita di una tenuta senza caratteristiche particolari, volta le spalle alla telecamera, quasi come una silhouette. Questo personaggio centrale è una presenza sconosciuta e abituale, rappresentante di “ogni donna”, dipinta costantemente come un punto fisso nel flusso delle folle, o sdraiata immobile sotto le nuvole che solcano il cielo. In questa serie di video, il
corpo di Kimsooja è sempre una presenza anonima che si trasforma in fase profonda di meditazione e che si immerge in scenografie contemplative, superando la superficie del mondo fino alla sua anima,
“come un ago in un pagliaio”. L’obiettivo della telecamera corrisponde a quello dell’artista, che sta in piedi e osserva il tutto con atteggiamento distaccato. Come se, con un semplice atto di concentrazione, la visione del mondo sembrasse più nitida e calma attraverso “l’occhio” angusto
dell’ago.

La maggior parte delle opere di Kimsooja sembrano appartenere a un luogo dove l’ora non può essere definita. Condividono l’universalità, un qualcosa di atemporale che contiene simultaneamente il passato e il presente, il quale è sempre rappresentato dal corpo stesso dell’artista. Lo spettatore è invitato a osservare fissamente il corpo, che diventa un intermediario o un vuoto.

Sempre in transizione, Kimsooja esplora le caratteristiche indefinibili del tessuto attraverso video, sculture e installazioni. Le sue opere mescolano spesso tradizioni orientali e occidentali, osservano e sovrappongono delle culture e delle condizioni di vita, esaminando quanto c’è di più comune tra l’intimità e il tutto universale.

Le immagini del video Mumbai-A Laundry Field rappresentano un’esperienza affascinante della bellezza del colore. Hanno un impatto incredibilmente potente sullo spettatore e ci fanno oscillare tra incantamento e profonda costernazione, obbligandoci a riflettere senza sosta alle prove e alle tragedie della vita, apprezzandone la sua attrazione estetica.

m.m.

___________
dal 23/7/09 al 6/9/09
Good Girls, Dead Girls

The Engel Gallery - 26 Gordon St.
Tel Aviv Israele

Five women artists

Curator: Meital Raz

This exhibition features five women artists: Michal Yaniv, Foma>3, Orly Hummel, Michal Ronen, and Diti Kapuano.

The artists spin a web of ties between body, sexuality, and violence. Their protagonists exist within a ritual ceremony in a space between the impure and the pure, the voyeuristic and the intimate. Each one of them toys with crossing the thin border between the "normal" adult sexuality and the childish, pervert one - between "children's games" and "adult games".

The common thread in the works of these five artists is the close connection they create between the sexual body and the dead body, an equation that is inherently paradoxical, since on the one hand, from its very beginning, feminism struggled against the conception that identifies the female body as an object of loathe and danger, and as a hole in which death and destruction lurk. On the other hand, the preoccupation with sexuality, through death and violence that accompanies it, is a kind of self-exploration, since every identity is shaped by a violent struggle. The desire to cause pain or to experience it actually strives to exceed boundaries, while defining them at the same time.

n.m.

______________

Eventi collaterali della 53° Biennale di Venezia

fino al 20 settembre 2009 dalle 15:00 alle 18:00
tranne Lunedì

"Venezia Salva". Omaggio a Simone Weil

Giosetta Fioroni

Venezia, Magazzini del Sale

Artiste coinvolte nel progetto: Carol Rama - Maria Lai - Lidia Puglioli - Mirella Bentivoglio - Carla Accardi - Sara Campesan - Ida Barbarigo - Anna Torelli - Valentina Berardinone - Elisa Montessori - Gabriella Benedini - Giosetta Fioroni - Lucia Marcucci - Irma Blank - Renata Boero - Amalia Del Ponte - Cloti Ricciardi - Fausta Squatriti - Chiara Diamantini - Paola Gandolfi - Lucilla Catania - Marilena Sassi - Maria Bernardone - Liliana Moro - Monica Bonvicini - Sara Rossi - Lara Favaretto ispirate a "Venezia salva" di Simone Weil.

Curatrice: Vittoria Surian, in collaborazione con Stefano Cecchetto, Lidia Panzeri, Carla Turola
Compartecipazioni: Comune di Venezia Assessorato alla Produzione culturale
Con il patrocinio di: Associazione Culturale Italo Francese (ACIF)
Organizzatori: Associazione culturale Cicero Eventi - Associazione culturale Eidos Venezia
Con la collaborazione di: ANISA Venezia (Ass.Naz.lnsegnanti Storia dell'Arte); Associazione Culturale Leggere Donna - Tufani; Centro Culturale Candiani Mestre
Sponsor: Casa Editrice Eidos, Cartiere Fedrigoni, Alberto Parise editore - stampatore

Inaugurazione: Mercoledì 3 giugno 2009, ore 18,30 alla presenza dell' Assessora alla Produzione Culturale Luana Zanella, presso la sede n. 4 dei Magazzini del Sale (Punta della Dogana).

Il tema della bellezza è centrale in tutta l'opera della filosofa francese, di cui quest'anno ricorre il centenario della nascita. In particolare nella sua tragedia incompiuta "Venezia salva", la bellezza assume una connotazione salvifica. La vicenda narrata è quella della congiura del XVII secolo che avrebbe dovuto rovesciare il potere dogale e comportare la distruzione della città. Il piano eversivo tuttavia fallisce perché il capo dei congiurati, Jaffier, vede all'improvviso la bellezza di Venezia e la salva denunciando il complotto alle autorità.

Per celebrare nel modo migliore il centenario di Simone Weil è stato chiesto alle più importanti artiste italiane, attive nella seconda metà del ‘900, di creare un' opera-cahier originale. Le autrici hanno avuto la possibilità di realizzarla in materiali diversi, ma con un preciso riferimento alla tipologia del libro, che, essendo per sua natura un segreto, non si apre nello spazio o sulla parete, ma si chiude come un pensiero su cui meditare.

Le artiste coinvolte nel progetto hanno partecipato, in quanto invitate, ad una o più edizioni della Biennale, dal 1948 al 2005; ad alcune di esse è stato assegnato il Leon d'oro. Questa mostra ha anche il merito di riunirle e di evidenziare uno spaccato quanto mai significativo della creatività femminile italiana degli ultimi sessant'anni, trasversale a diverse generazioni. Nella realizzazione di un libro d'artista l'antico problema dei rapporti tra la parola e l'immagine è superato dalle raffinate tecniche e dalle inedite espressioni artistiche elaborate dalle protagoniste di questa affascinante avventura visiva. II processo del loro lavoro, costantemente in crescita è sottolineato anche da una costante capacità di relazionarsi, spesso in modo propositivo, con le sfide piu stimolanti recepite dal mondo dell'arte internazionale. Dentro al recinto di una "cornice" costretta dal libro, il mondo creativo di queste artiste rivela l'esecuzione di un movimento che non induce alla dispersione, ma alla concentrazione, e nello stesso tempo rivela tutta la bellezza del loro manufatto artistico. II modo migliore, insomma, per un "Omaggio a Simone Weil".

La mostra è organizzata dalle Associazioni Culturali Eidos e Cicero Eventi in collaborazione con l'Assessorato alla Produzione Culturale del Comune di Venezia, e rientra negli Eventi Collaterali della 53° Esposizione Internazionale d'Arte - La Biennale di Venezia

vedi Simone Weil e l'Italia: l'appagamento di un desiderio
di Gabriella Fiori

m.m.

___________
Simposio internazionale d’arte

Artiste e artisti: Marisa Cortese, Dorothea Fleiss,  Pirjo Heino, Renuka Kesaramadu, Antonella Prota Giurleo, Cesar Reglero Campos, Isabel Jover
Tema: rapporto tra arte e cultura locale
Inaugurazione: Sabato 11 luglio alle ore 17 al Comune di Sormano in piazza del Municipio
Luogo:  artiste ed artisti lavoreranno nelle aule della Scuola elementare, accanto al Comune.  I laboratori saranno aperti a tutte le persone interessate:
      giovedì 16 luglio dalle ore 9,30 alle ore 12 e dalle ore 15 alle ore 18,
      venerdì 17 luglio dalle ore 9,30 alle ore 12.

Mostra: collettiva Il mondo a Sormano
Inaugurazione: Sabato 18 luglio ore 17,30
Luogo: Municipio di Sormano,
Apertura mostra:  sino al 26 luglio con i seguenti orari: da lunedì a sabato ore 9,30 – 12, mercoledì e venerdì anche 15 - 16

Progetto, cura e coordinamento: Antonella Prota Giurleo
Testo critico: Roberto Borghi
Informazioni: a.protagiurleo@email.it   Monica Sormani 335 83 13 259

Patrocini: Amministrazione comunale di Sormano,  Parrocchia di Sormano
Contributi: Parrocchia di Sormano, agesol, Autotrasporti Sormani Francesco, Inter Club Sormano, Materiali edili Sormani Tranquillo, Bastai Pierangelo lavori edili, Ristorante La Colma, Alimentari Sormani e Meroni, Lella Corvi, L’Erboristeria di Corsico, Il frutteto di Antonella Colombo, Sci Club Sormano.
Collaborazioni:  Tito Arrigoni, Angela Sormani, Vittoria Sormani, Giuseppe Sormani, Lisetta Acquati, Marisa Cortese, Luigia Sormani, Graziella Lingeri

L’associazione culturale Pro Sormano ha deciso di organizzare un Simposio internazionale d’arte al quale parteciperanno artiste e artisti europei ed extraeuropei.
Le artiste e gli artisti saranno ospitati a Sormano, avranno contatto con persone e luoghi del territorio e lavoreranno per realizzare una serie di opere che saranno esposte nella mostra collettiva che sarà organizzata a fine simposio.

Il simposio d’arte ha tre obiettivi sostanziali:

1. promuovere e facilitare il processo di comprensione dell’arte contemporanea per la cittadinanza del paese
2. permettere l’ incontro - confronto tra espressioni artistiche e linguistiche di differenti stati  con la cultura locale
3. estendere il concetto di internazionalità espresso lo scorso anno  con l’iniziativa I Sormani nel mondo  proponendo il mondo a Sormano

m.m.

______________

___________________

19 luglio - 2 agosto 2009

"Momento ed eternità"

Sacromonte della SS.Trinità di Ghiffa  

inaugurazione il 19.luglio 2009 ore 15:00

Orario di apertura: tutti i giorni: 11:00-13:00  -   14:00-16:00

 

 

Partecipanti alla mostra:

Elias Maya  (D)  scultura-oggetto

Silvia Cibaldi (I)  scultura
 

Tiziana Priori (I) video-film

m.m.

______________________

Per una manifestazione in difesa della dignità delle donne e degli uomini che amano le donne.

"Ancorchè fossero vere le indicazioni della ragazza ..il premier sarebbe l'utilizzatore finale e quindi
mai penalmente punibile" (Avv. Ghedini).

Con crescente angoscia stiamo seguendo le vicende dello scandalo che riguarda il premier Silvio Berlusconi e che vede coinvolte numerose ragazze e donne. Ma quello che provoca autentico
raccapriccio sono i commenti delle persone vicine al presidente del Consiglio, Ghedini in particolare, che parlano di "utilizzazione" della donna e di "donne gratis in grande quantità", espressioni che
chiaramente indicano la donna come un oggetto, attrezzo o merce che sia. Per non soffocare nel degrado, per difendere la nostra dignità di donne e di uomini che amano le donne, dobbiamo rialzare la testa e esprimere la nostra indignazione. Il problema è molto più grave e più ampio e non è una questione di partiti, è un problema di civiltà e di educazione sociale.
La parte onesta del paese ha il dovere di dare un segnale, deve mettere un argine alla marea di fango che ci sta sommergendo. Le donne che quarant'anni fa scrissero sui muri "Nè puttane nè madonne solo
donne", le giovani che rifiutano un clima culturale che le vuole veline e disponibili, gli uomini che stanno accanto alle une e alle altre e mai si sognerebbero di considerarle "adoperabili", si uniscano.
Parliamo di un triste aspetto della nostra società che ha responsabilità condivise di uomini e donne, che occorre denunciare e rivedere tutti insieme, uniti. Non è occasione per una guerra di generi e nemmeno
di parti politiche.
Vi invitiamo tutti all'incontro/confronto/presidio del giorno 2 Luglio giovedì alle ore 19,00
alle Colonne di San Lorenzo in Corso di Porta Ticinese, Milano.
Primi firmatari: Antonella Loconsolo | Miriam Petruzzelli | Patrizia Quartieri | Maurizio Scalzi

n.m.

_______________

fino al 25 ottobre 2009

PASQUAROSA (1896-1973)
Un fenomeno dell'arte nella Roma del Novecento

Casino dei Principi di Villa Torlonia
Roma

E'' la prima mostra che un'istituzione pubblica a Roma dedica all'artista. Pasquarosa Marcelli Bertoletti (Anticoli Corrado, 1896 - Camaiore, 1873) ha speso per intero la propria esistenza, entrando in contatto con alcune delle figure piu' rappresentative della vita cittadina che, in campo artistico ed intellettuale, ne hanno animato il dibattito negli anni compresi tra i due conflitti mondiali ed oltre. Tra questi Luigi Pirandello, Giorgio de Chirico, Renato Guttuso, Massimo Bontempelli, Paola Masino, Emilio Cecchi. La mostra e' curata da Pier Paolo Pancotto studioso di Pasquarosa ed autore di diverse indagini sulla presenza femminile nell'arte a Roma nel XX secolo, ed organizzata da Ze'tema Progetto Cultura.

Pasquarosa , nata ad Anticoli Corrado nel 1896, poverissima, giovanissima e bellissima giunge a Roma per lavorare come modella. Qui entra in contatto con diversi pittori e scultori tra i quali Nino Bertoletti al quale si lega sentimentalmente. Tra il 1913 ed il '14 si stabilisce con il compagno e futuro marito in uno studio a Villa Strohl-fern dove, sollecitata dalla vivace koine' artistica che la circonda, seppur priva di qualunque formazione, muove i primi passi in campo pittorico. Esordisce cosi' alla Secessione del 1915 riscuotendo un inatteso successo. Da questo momento in poi, e soprattutto dopo la Mostra d'Arte Giovanile alla Casina del Pincio nel 1918, i critici piu' sensibili ed avveduti iniziano a sostenere il carattere assolutamente spontaneo ed originale della sua pittura con un'attenzione che non verra' mai meno negli anni seguenti.

m.m.

_______________

“ notte rosa “
20 giugno 2009 ore 18,30 - 24

India. Sguardi di donne.
Women’s looks.

Mostra collettiva di opere bidimensionali
Inaugurazione: ore 18,30 con performance

Cortile della via Cavour, 82 Corsico

ESPONGONO:

Rachana Damam, Patrizia Di Siro, Gretel Fehr, Mavi Ferrando, Simonetta Ferrante, Vipta Kapadia, Geetha Kekobad, Renuka Kesaramadu, Nirmana Fumari, Roopa Mahesh, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Latha Marur, Sara Montani, Veronique Pozzi, Antonella Prota Giurleo, Rani Rekha,
Lucrezia Ruggieri, Bhavani, Bharathi Sagar

Curatrice: Antonella Prota Giurleo

L’ associazione di donne GALASSIA ha deciso di aderire alla Notte Rosa, serata dedicata alle donne, organizzata dalla città di Corsico per sabato 20 giugno 2009, presentando, nel cortile di una casa di ringhiera del 1700,  situata nel centro della città, una mostra di opere bidimensionali di artiste contemporanee.
Nella stessa giornata sarà ospitata in città Vandana Shiva, nell’ambito di un convegno sul clima e sull’acqua organizzato dall’associazione Shanti; per questo motivo  il tema della mostra, proposto a dieci  artiste indiane e a dieci italiane, riguarda il continente indiano visto con gli occhi delle donne. 
Così  scrive Anna Schoenstein nel concludere il suo  testo di presentazione della mostra:
“ L’India, terra non solo di misticismo ma di pluralità, è - per chiunque provi anche solo a gettarvi lo sguardo da uno spiraglio - un meraviglioso affollarsi di immagini e suggestioni.
Solo l’artista può prenderci per mano e guidare tra maya e lila, tra illusione e gioco, scoprendo i frammenti di specchio che decorano le sari indiane e riflettono le migliaia e migliaia di immagini dell’India. Le riflettono e rifrangono in altrettante immagini, le spezzano e le trasformano.
Attraverso lo sguardo dell’artista, ecco finalmente il perfetto disequilibrio dell’India.”

Vandana Shiva, ospite del convegno organizzato da Shanti, parlerà al teatro della via Verdi a Corsico alle ore 15,30.

m.m.

_______________

n.m.

______________

18 giugno 2009 - ore 18.30


"ATTESA" di Mari Jana Pervan
UN'OPERA PER RIFLETTERE SULLA CREATIVITA' E SULL'ARTE E I LUOGHI CULTURALI OGGI

SPAZIO TADINI
VIA JOMMELLI,24 MILANO

Il 18 giugno 2009, alle 18.30, Spazio Tadini organizza la mostra - incontro con l'artista di origini Croate, Mari Jana Pervan. Da anni in Italia, l'artista realizza le sue sculture prevalentemente in terracotta e ceramica raku. Nel corso della serata sarà presentata in particolare la scultura "Attesa", ideata e concepita per lo Spazio Tadini.
Il centro culturale, da anni punto d'incontro di artisti e di arti, nato con la finalità di proporre a Milano un luogo di stimolo e dibattito, è stato fonte d'ispirazione dell'artista. "In questo luogo - dice Mari Jana Pervan - ci si sente a casa. I tempi di una Milano frenetica rallentano la loro corsa e la gente parla, gli artisti si confrontano e nascono nuovi stimoli, progetti, idee. Ci si sente di appartenere a un gruppo di persone che vuole riflettere sulle cose e che crede che nell'arte non solo ci sia bellezza e gioia, ma anche genialità e speranza. E' per questo che ho realizzato la scultura "Attesa", che donerò allo Spazio Tadini, come simbolo di un luogo di fertilità e di proiezione verso il futuro, come un ventre materno che nutre, protegge e crea".
A riconoscere allo Spazio Tadini questa identità culturale c'è anche la tesi di laurea di Virginia Teruzzi, che, l'autrice con l'occasione presenterà al pubblico. Un lavoro interessante che mette a confronto il mitico bar Giamaica con lo Spazio Tadini, un percorso storico e sociale per descrivere come cambiano i luoghi d'incontro degli artisti milanesi.
Nel corso della serata verrà offerto al gentile pubblico un rinfresco.

Per informazioni ulteriori
Melina Scalise cell. 3664584532

n.m.

______________

15 e 16 giugno 2009
(h 17-20)

‘Vuoti d'aria'
VI RASSEGNA
POESIARTE MILANO

Quintocortile Viale Col di Lana 8 - 20136 Milano - tel. 338. 800. 7617
con la collaborazione di Milanocosa

Questo sesto appuntamento di Poesiarte Milano dal titolo “Vuoti d’aria” vuole essere emblematicamente anche un saluto, un momento di riflessione sui vuoti che inesorabilmente prima o poi ci piombano addosso, sventure o rivoluzioni, gioie o dolori, fluttuazioni di esistenze, di riferimenti, di luoghi.
Questa è l’ultima manifestazione che si terrà in Viale Col di Lana 8 nell’attesa di trasbordarci nel nuovo spazio di viale Bligny 42.
Poesiarte Milano si svolgerà a Quintocortile nei giorni lunedì 15 e martedì 16 giugno 2009 con interventi di poeti e musicisti dalle ore 17,30 alle ore 20.
Ciascuna giornata vedrà l’intervento di 12 poeti e di alcuni musicisti che presenteranno loro lavori sul tema secondo un calendario prestabilito. Oltre trenta artisti invitati realizzeranno ed esporranno un’opera sul tema della manifestazione.

Artisti: Eugenio Alberti Schatz, Alvaro, Adalberto Borioli, Maria Amalia Cangiano, Salvatore Carbone, Chiò, Albino Di Francesco, Fernanda Fedi, Gretel Fehr, Mavi Ferrando, Aldo Ferro, Anna Finetti, Ornella Garbin, Mario Gatto, Gino Gini, Jane Kennedy, Grazia Lavia, Pino Lia, Giorgio Longo, Ruggero Maggi, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Daniela Miotto, Annalisa Mitrano, Roberto Origgi, Francesco Pizzo, Antonella Prota Giurleo, Luca Rendina, Raffaele Romano, Evelina Schatz, Marina Sanchez, Stefania Selmi, Stefano Sevegnani, Stefano Soddu, Roberto Sommariva, Spelta, Roberto Vecchione, Rosanna Veronesi, Paola Zan

Poeti: Claudia Azzola, Maria Carla Baroni, Fabrizio Bianchi, Sandro Boccardi, Rinaldo Caddeo, Laura Canevali, Laura Cantelmo, Biagio Cepollaro, Annamaria De Pietro, Gabriele Favagrossa, Beno Fignon, Gabriella Galzio, Eugenio Grandinetti, Alberto Mari, Lorenzo Morandotti, Meeten Nasr, Guido Oldani, Alessandra Paganardi, Maria Pia Quintavalla, Paolo Rabissi, Marco Saya, Ivana Tanzi, Italo Testa, Paolo Valentino, Adam Vaccaro, Cesare Vergati

Intermezzi musicali: Marco Saya (chitarra jazz)
Organizzazione a cura di: Mavi Ferrando, Donatella Airoldi (Associazione Quintocortile)
Con la collaborazione di: Adam Vaccaro, Claudia Azzola, Laura Cantelmo (Associazione Milanocosa)

n.m.

______________

fino al 27 settembre 2009

NIKI DE SAINT PHALLE
Joie de vivre

Palazzo dell’Abbondanza di Massa Marittima
dal 31 maggio al 28 giugno
orari: tutti i giorni10.00 - 12.30 / 15.30 - 19.00, chiuso il lunedi’

Castello Aldobrandesco di Arcidosso
dal 4 luglio al 19 agosto
orari: tutti i giorni 10.30 - 12.30 /17.30 - 19.30
dal 18 luglio tutti i sab. e dom. 21.00 - 23.00, chiuso il lunedi’

Fortezza Orsini di Sorano
Da 22 agosto al 27 settembre
orari: tutti i giorni 10.00 - 13.00 / 14.00 - 17.00, chiuso il lunedi’

La Rete museale della Provincia di Grosseto ha deciso di dedicare un evento importante, dal titolo Niki de Saint Phalle. Joie di Vivre, all’artista franco-americana, esponente della pop-art, arrivata al successo internazionale negli anni -60, con le sue variopinte figure femminili di poliestere, le famose -nana-. La mostra, organizzata da Comediarting, con il fondamentale supporto della Niki art charitable Foundation e di Opera Art advisoring - Passione per l’Arte, e’ a cura di Maurizio Vanni.

Nata a Neuilly-sur-Seine, vicino a Parigi, il 29 ottobre 1930, da padre francese e madre americana, Niki de Saint Phalle ha acquisito la celebrità soprattutto per le grandi statue articolate e cromate, molte delle quali realizzate in parte con il marito Jean Tinguely, morto nel 1991. Dalla loro unione scaturirono opere eccezionali e originali come il - Giardino dei Tarocchi - , realizzato a partire dal 1979 a Garavicchio, presso Capalbio in Toscana, opera ispirata al Parco Güell di Gaudi di Barcellona. Proprio in Maremma, innamorata della sua bellezza, Niki decise di vivere per un periodo di tempo.

Domenica 31 maggio 2009 verrà inaugurato presso il Palazzo dell’Abbondanza di Massa Marittima il percorso espositivo che attraverserà tutta la Provincia valorizzando musei ed edifici storici. Tredici sculture e trenta opere su carta creeranno un itinerario unico, inondando di colori, poesia e magia.

Femminismo, mitologia, violenza, ansie personali, politica: l’intera tematica che permea le opere di Niki De Saint Phalle -vestirà le sale di questi importanti edifici carichi di storia proponendo opere prorompenti, lavori in continua metamorfosi, richieste di libertà, ribaltamento delle convenzioni. Sono questi infatti i temi delle opere in esposizione, famosi capolavori ma anche opere meno note al grande pubblico di una tra le piu’ originali e anticonformiste artiste del XX secolo che ha lasciato tracce profonde nel nostro territorio e che questo evento mira proprio a riscoprire e a mettere in luce. L’esposizione proseguirà nella sede del Castello Aldobrandesco di Arcidosso e nella Fortezza Orsini di Sorano.

m.m.

_____________

Giovedì 11 giugno 2009 alle ore 19,30

Dire, fare, filare, lettera, testamento
di Antonella Prota Giurleo



Cicip e Ciciap. Circolo Culturale e Politico delle Donne
Via Gorani 9. Milano

Introducono: Angela Di Luciano, Gretel Fehr, Licia Roselli

Performance: Il testamento di Maria Helena interpretata da Maria Carla Rossi, Iole Contino, Gretel Fehr, Angela Di Luciano e dall'artista.
Ingresso: gratuito, riservato alle donne.

Giocare, pensare, sognare: ecco il senso dell'opera di Antonella, ecco quello che faremo con lei tutte insieme giovedì sera

Nata nel 1949 a Milano, Antonella Prota Giurleo dal 1996 pratica la pittura, realizza installazioni ed espone le sue opere. Ha esposto in numerose personali (Italia, Finlandia, Perù, Messico) e collettive (Italia, Spagna, Finlandia, Romania, Belgio, Slovenia, Turchia, Marocco, Messico, Perù, Argentina, Brasile, Cile, Colombia, Corea, Malesia, Giappone) ed ha partecipato a simposi d'arte ( Italia, Finlandia, India)

Antonella lavora a partire dall'appartenenza di genere e dal senso che per lei hanno le relazioni tra donne e con il mondo; esprime la possibilità di costruire vita e arte in armonia con sé stessa, con le persone, con la natura.
Le sue opere costituiscono un percorso che si snoda attraverso i temi delle culture di pace avendo grande attenzione alle tematiche ambientali, in un fare che prende spesso forma dal recupero e dal riciclo di materiali; a ciò aggiunge una specifica ricerca sull'utilizzo di materiali ecocompatibili.

Saranno esposte due opere e verrà proiettato il video Mani dicenti; immagini dei lavori saranno descritte e raccontate dall'artista mentre documentazioni di performances scorreranno durante tutta la serata; non mancheranno tocchi di letture e performance.

n.m.

_____________

Dal 15 giugno al 15 luglio 2009

Elisa Mazza

AlmaRosa Art Music and Bar
Forte Dei Marmi (Lucca)- Viale Morin 89a

La mostra rimarra’ poi visitabile tutti i giorni dal Giovedì al Martedì, dalle ore 9 alle 23, sempre con ingresso libero.

AlmaRosa Art Music e’ lieta di presentare la terza mostra personale nella sua sede, dell’artista di origine lombarda, toscana di adozione, Elisa Mazza. Alla più recente ricerca dell’artista appartengono le opere esposte. Plexiglass, plastica e schiume, sono i materiali esplorati che esprimono la curiosità per i prodotti artificiali ed il riciclo, usando l’Arte come tramite tra il processo conservativo e insieme la denuncia.
Una tensione molto narrativa e favolistica in cui prevale l’effetto pittorico, altre al dato plastico e volumetrico affidato invece alle modalità dell’assemblaggio.

Natura e cultura vivono un reciproco interscambio creativo, alternando rigore geometrico e razionalità di segno alla vivacità della fantasia e alla intima sensibilità personale: l’arte si prende la rivincita sull’abbandono e sul disprezzo dell’inciviltà e della volgarità.
Sia nelle pitture che nelle sculture, l’idea di “modello” passa attraverso la rielaborazione di forme familiari e naturali, forgiate però con materiali artificiali.

m.m.

_________________

dal 4 giugno al 20 settembre 2009

Mona Hatoum
Interior Landscape

Fondazione Querini Stampalia
Campo Santa Maria Formosa 5252
Venezia

orario: da martedì a sabato dalle 10 alle 20; domenica dalle 10 alle 19; chiuso il lunedì

Dal 4 giugno al 20 settembre 2009, in occasione della 53. Esposizione Internazionale d'Arte di Venezia, la Fondazione Querini Stampalia presenta “Mona Hatoum. Interior Landscape”, personale dell’artista Mona Hatoum, che si inserisce all’interno del ciclo di progetti Conservare il futuro, dedicati al rapporto fra arte antica e contemporanea.
La mostra, a cura di Chiara Bertola, comprende oltre 25 opere — molte delle quali mai esposte in Europa — che raccontano storie di emigrazione e conflitto attraverso l’uso di oggetti quotidiani che l’artista trasforma in sculture misteriose e inquietanti. Partendo infatti dal proprio vissuto personale —  donna libanese figlia di genitori palestinesi, costretta a emigrare a Londra negli anni Settanta —, Mona Hatoum ha ideato appositamente per gli spazi della Fondazione, sia per la sezione dedicata alle mostre temporanee sia all'interno della collezione permanente, una serie di evocative installazioni che richiamano la difficile realtà del popolo palestinese.

vedi Hatoum, il corpo non si addomestica di Arianna Di Genova

m.m.

__________________
7 giugno - 19 settembre, 2009

Cindy Sherman

Gagosian Gallery
Via Francesco Crispi 16
Roma 00187

Orari: 8 giugno - 4 settembre lun/ven: h. 10.30/19.00
dall’ 8 settembre mar/sab h. 10.30/19.00

“Credo siano i personaggi più realistici che abbia mai creato. Mi sono immedesimata completamente in loro. Potrebbero essere me. E’ questa la cosa terrificante, quanto sia stato facile trasformarmi in una di loro.”
--Cindy Sherman


Da più di trent’anni Sherman ha fatto di sè stessa l’oggetto della sua opera, trasformandosi continuamente per indagare il concetto di identità attraverso immagini fotografiche che controlla completamente come autrice, regista, costumista e perfino modella. Una performer totale, Sherman coglie con il suo obbiettivo ogni possibile distorsione di viso e corpo. La sua incisiva manipolazione di peso e forma fa emergere attraverso i suoi lineamenti e la cura di ogni dettaglio, dalle unghie agli accessori di scena, anche la più sottile espressione. Sin dai suoi primi scatti Sherman ha assunto una miriade di identità femminili, da adolescente a casalinga, da
aristocratica rinascimentale a femme fatale, rivendicando come proprio lo spazio sociale e psicologico che tutte queste donne hanno abitato nel corso della storia.

In queste nuove immagini Sherman rappresenta donne agiate di mezza età, all’apice del potere sociale ma soggette al declino fisico e, nonostante lo scudo protettivo dell’abbigliamento, completamente messe a nudo dalla macchina fotografica e dallo sguardo dello spettatore. La spietata rappresentazione suggerisce uno sconcertante limite tra finzione e realtà in cui regna la commiserazione. Vestite dei segni convenzionali del benessere, dagli abiti sontuosi alle acconciature sofisticate, ed incorniciate dagli ambienti elaborati delle loro vite privilegiate,
queste figure esageratamente curate si sgretolano sotto l’occhio inesorabile della macchina fotografica. Ad un primo sguardo questi personaggi proiettano un mondo di benessere e successo, restituito su una scala dimensionale che richiama gli imponenti ritratti commissionati dai grandi mecenati del Rinascimento. Le dimensioni ingrandite producono però l'effetto inverso, puntando l'attenzione su ogni imperfezione - le macchie di età, le rughe, la pelle cadente, gli abiti eccessivi.

Inoltre, ad uno sguardo più attento, gli sfondi si rivelano separati dai personaggi che racchiudono, essendo stati fotografati in un momento successivo e poi aggiunti digitalmente per completare – in realtà minandola – l’integrità della composizione.

Untitled (#470) indossa un abito rosso di seta dalla scollatura inusuale. Il viso è coperto dal trucco pesante, gli occhi arrossati sono evidenziati dalla matita nera e le sopracciglia fortemente delineate in uno sguardo di perenne stupore. Il dettaglio più lampante è il ventaglio spagnolo, un tocco di civetteria che, stretto nella morsa della mano ruvida, riesce solo a stendere un’ombra sgradevole. Untitled (#476) posa con il suo cagnolino in un interno arredato elegantemente con boiserie di legno scuro e un grande quadro alle spalle, indossando un raffinato vestito da sera su cui spicca una preziosa collana di perle. Il pelo argentato dell’animale, che si rivela essere un peluche, riprende la tonalità dei suoi capelli. In Untitled (#468), una matrona dall’aspetto decrepito in foulard, cardigan e guanti bianchi, posa con braccia incrociate davanti ad un edificio stile impero. Gli occhi stanchi, cerchiati di rosso, e i denti macchiati rovinano la sua immagine altrimenti formale e attentamente costruita. In Untitled (#473), una signora impellicciata con i capelli a caschetto e il trucco sgargiante posa su un brillante sfondo caleidoscopico. Costruita come una banale fototessera, quest’opera attira esplicitamente l’attenzione sulla tecnica di sovrapposizione artificiale usata dall’artista, abbracciando contemporaneamente i diffusi processi e le convenzioni della fotografia digitale.

Cindy Sherman vive e lavora a New York. La sua opera è stata oggetto di innumerevoli mostre internazionali di rilievo tra cui quella presso il Museum of Contemporary Art, Chicago (1997), poi esposta al Museum of Contemporary Art di Los Angeles, Galerie Rudolfinum, Praga, Centro Cultural de Belém, Lisbona, Museé d'art Contemporain de Bordeaux, Museum of Contemporary Art, Sydney, e la Art Gallery of Ontario, Toronto, (1997- 2000); la Serpentine Gallery, Londra e la Scottish National Gallery of Modern Art (2003); il Musee Nationale Jeu de Paume, Parigi (2006), poi esposta alla Kunsthaus Bregenz, Austria, al Louisiana Museum for Moderne Kunst, Danimarca, e alla Martin Gropius Bau, Berlino (2006-2007).


vedi Vi spiego perché oggi l'arte siete voi di Adriana Polveroni

m.m.

_______________________

Giovedì   21 maggio 2009 ore 18 - 21

finissage della

mostra collettiva: il sindacato, il lavoro

Camera del lavoro. Corso di Porta Vittoria 43. Milano

Artiste e artisti: Giuliana Bellini, Giannetto Bravi, Giulio Calegari, Albino De Francesco, Pino Deodato, anna Rosa Faina gavazzi, Fernanda Fedi, Gretel Fehr, Mavi Ferrando, Anna Finetti, Gianni Gangai, Ornella Garbin, Gino Gini, Pino Jelo, Luce Laval, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Emanuele Magri, Monica Mazzoleni, Antonella Prota Giurleo, Luca Rendina, Giovanni Rubino, Antonio Sormani, Fausta Squatriti, Giovanni Tufano, Armanda Verdirame, Maria Grazia Zanmarchi

Inaugurazione: Martedì 12 maggio alle ore 18 - 21


Progetto, cura e coordinamento: Antonella Prota Giurleo
Testo critico in catalogo: Roberto Borghi
Allestimento mostra: Gretel Fehr
Informazioni:
Ufficio stampa Camera del Lavoro Mariateresa Magenes magenes@lomb.cgil.it
Responsabile organizzazione Giampaolo Vigolo giampaolo.vigolo@cgil.lombardia.it
Progettista - curatrice: Antonella Prota Giurleo a.protagiurleo@email.it 347 03 12 744

Mezzi pubblici: tram 12, 27, 23, 9, 29 autobus: 73, 60, 84; MM 1 San Babila poi 60 o 73

Orari di apertura: giorni feriali ore 9 -19; sabato ore 9 -13; domenica chiuso

Una mostra di opere realizzate da artiste ed artisti che hanno affrontato con grande interesse e serietà, in alcuni casi anche con giocosità e ironia, le tematiche del sindacato e del lavoro.
Opere che restituiscono il senso del sindacato e di ciò che viene affermato all'art 2 dello Statuto della CGIL: " la cultura arricchisca la vita di tutte le persone".
Artiste e artisti hanno visitato luoghi di lavoro e la sede milanese della CGIL incontrando un'umanità ricca, tracce di passato ancora evidenti e un interesse per l'arte davvero notevole.
La cultura del sindacato e del lavoro hanno permeato il sentire e il fare di donne e di uomini che agiscono nel campo dell'arte. Il tema dei diritti è stato molto sentito; il diritto alla vita e al lavoro qualificato e sicuro, il diritto alla libertà di espressione e di manifestazione, il diritto all' educazione e alla cultura sono stati affrontati nelle diverse opere con forme nuove.
Le opere ( dipinti, sculture, installazioni, fotografie, video) collocate nello spazio espositivo al piano sotterraneo e, quasi a sorpresa, anche al pianterreno e al primo piano, costituiscono un percorso e, in alcuni casi, sarà possibile interagire con esse; inoltre alcune lavoratrici e lavoratori interpretano le performances.

"Il Sindacato - Il Lavoro"- Una mostra per partecipare.
di Anna Aurenghi

Martedì 12 maggio, mattino.
La vita e il traffico scorrono come sempre rombando, qui, in corso di Porta Vittoria a Milano.
La grande Casa rossa, architettura asciutta e autoritaria, quella del ventennio fascista, sovrasta la breve gradinata e il piazzale largo, che può accogliere tante persone. I mattoni rossi e le inferriate alle finestre con l'incudine e il martello parlano di storia, una storia fatta di ideali e battaglie.
E' la Camera del Lavoro, dove stasera si inaugura la mostra "Il Sindacato, il Lavoro", un tema complesso, ma importante ed evocatore di libertà e di diritti.
Libertà di espressione, di manifestazione. Diritto al lavoro e di svolgerlo in piena sicurezza. Diritto all'educazione, alla cultura, come recita l'articolo 2 dello Statuto della CGL, che qui ha la sua sede -La cultura arricchisca la vita di tutte le persone…-
Ma ora è mattino, la gente entra ed esce dalla casa e attraversa il piazzale, come ogni giorno. L'atmosfera non è ancora quella delle grandi occasioni. Solo i manifesti, appena fuori dal grande portale avvertono dell'imminenza.
Dentro, pulizia e attività, come sempre…informazioni richieste e date, competenza tecnico-politica al servizio di chi la richiede, negli uffici. Lavoro al servizio del lavoro.
Non a caso questo luogo deputato alla riunione nel confronto di opinioni, alla mediazione, alle decisioni che riguardano tutti coloro che si riconoscono interessi e ideali comuni, si chiama Camera. Un termine che può suggerire autorità, anonimato.
Ma qui, dove le stesse persone che ci lavorano hanno segnato i loro spazi personalizzandoli con piccole grandi testimonianze delle loro vite, si respira anche grande disponibilità e interesse alla cultura.
Oggi c'è qualcosa in più che attrae lo sguardo di chi attraversa questo luogo, sin dal piano terra, salendo lungo la scalinata e al primo piano, nei corridoi e poi giù ancora al pianterreno e un piano sotto, all'ingresso della grande sala conferenze.
Presenze nuove che catturano l'attenzione e invitano ad avvicinarsi per capire meglio.
Sono le opere che le artiste e gli artisti hanno creato appositamente per la mostra all'interno della Casa.
In 27, con una leggera preponderanza femminile, hanno messo a disposizione il loro sapere artistico con il preciso intento di fonderlo -sì questa è l'espressione che viene in mente camminandoci in mezzo- con l'ambiente circostante.
Quadri, installazioni, performances, fotografie e riprese video, tutto emozionante e coinvolgente…un risultato di grande contenuto artistico e umano. Chiari riferimenti alla personale esperienza degli artisti, ma anche profonda osservazione, indagine, ascolto. Per giorni artiste e artisti si sono confrontati con l'ambiente del sindacato, hanno condiviso parte del vissuto di donne e uomini che qui lavorano.
E' questo il significato del particolare allestimento della mostra: l'invito a percorrere gli ambienti della Casa seguendo un filo conduttore che rimandi di continuo alla realtà di ogni giorno.
Ecco, questa è l'aria che si respira da oggi e per nove giorni -fino al 21 maggio- alla Camera del Lavoro, a Milano. Un'esperienza che è auspicabile anche nel futuro…
Intanto, vale proprio la pena di partecipare!

n.m.

_________________

20 maggio - 4 giugno 2009

ANNALISA MITRANO

ESFOLIAZIONI

Quintocortile - Viale Col di Lana 8 - 20136 Milano  

inaugurazione  mercoledì 20 maggio alle  ore 18,00
orario: da martedì a giovedì dalle ore 17,00 alle 18,30 

mostra a cura di Lorella Giudici

In mostra alcune delle  ultime opere dell'artista realizzate in piombo, plexiglas e legno.
[…] È come se, in quei quadrati (il modulo che ha scelto di ripetere in successioni verticali o orizzontali) e su quella stele, Annalisa Mitrano avesse intrapreso un cammino iniziatico, un processo di purificazione attraverso una lenta, ma inesorabile, esfoliazione di tutti gli strati della materia e della memoria.                                        

m.m.

_________________

m.m.

_________________

dal 27 Aprile 2009 al 14 Maggio 2009

Identità Mutanti

foto di nadia magnabosco

Circolo Culturale Bertolt Brecht
Spazio 2/Via Giovanola 21/c Milano
MM2 Abbiategrasso

Artisti: Dario Agrimi, Giovanni Albore, Alicia Amici, Valerio Arrighini, Oswald Auer, Barbara Baccin, Martha Baggetta, Inga Barasmkina, Giulia Berra, Isabella Bettinelli, Matteo Boniatti, Silvia Branchesi, Pierpaolo Bristot, Giuseppe Bucolo, Andrea Cabassi, Valeria Cafagna, Paolo Canal, Alessandra Carloni, Elisa Cella, Marco Ceragioli, Roberta Ceruti, Meri Ciuchi, Lauro Crociani, Adriano D'Angelo, Michela Del Dagan, Rocco Del Nero, Anna E Vittorio Dell'Aversana&Varavallo, Antonio Di Cecco, Gino Fabiani, Matteo Farolfi, Martina Ferrara, Anna Finetti, Giovanni Fornoni, Ciro Gallo, Piero Garofalo, Piera Gemelli, Isabella Giannone, Gruppo Sinestetico, Dario Guarneri, Davide Iannuzzi, Sonia Lalla, Mirko Lamonaca, Francesco Lasalandra, Andrea Lebosi, Lemeh42, Pino Lia, Liceo Sociopsico-Pedagogico Dante Alighieri di Enna, Luca Lillo, Davide Lo Jacono, Giuseppe Longo, Donato Lotito, Candida Luciano, Cesare Luperto, Nadia Magnabosco, Ramona Mantegazza, Lorenzo Mariani, Alessandro Giuseppe Matassa, Antonella Mercati, Stefano Meroni, Valentina Migliaccio, Rosalia Mileti, Oriella Montin, Rick Niebe, Antonello Novellino, Paolo Ollano, Rossorame Pagliarello, Alessandro Pannone, Eva Pedroni Simoncelli, Simona Piccardi, Franco Pietripaoli, Silvia Pinna, Antonio Piscopo, Antonella Raio, Laura Ronca, Serena Rossi, Folco Salani, Oren Sali, Diego Salvadori, Paolo Salvi, Donatella Sarchini, Andrea Satta, Elisabetta Scalvini, Samuela Segato, Gianna Servello, Alicia Shahaf, Roberto Silvestrini Garcia, Sabrina Soffientini, Myriam Soricaro, Celina Spelta, Lino Strangis, Alessandra Stumpf, Guido Tasselli, Nicholas Tolosa, Anna Torrebruno, Rossella Traversa, Aristotelis Triantis, Alda Valentini, Matteo Varsi, Irma Vecchio, Werther Vicini, Massimo Vitali.
A cura di: Anna Epis e Aldo Torrebruno

n.m.

_________________

n.m.

_________________

fino al 26 giugno 2009

Magdalena Abakanowic
Space to Experience

Fondazione Arnaldo Pomodoro
Via Solari, 35
Milano.

È dedicata a Magdalena Abakanowicz, una delle personalità più autorevoli della scultura contemporanea internazionale, la mostra che apre la stagione espositiva 2009 della Fondazione Arnaldo Pomodoro di Milano.
L’esposizione, è a cura di Angela Vattese

La personale propone 11 gruppi di opere di grandi dimensioni, realizzate negli ultimi vent’anni dall’artista polacca, che testimoniano la sua versatilità nell’uso dei materiali e nella descrizione della condizione umana.

Magdalena Abakanowicz è diventata una delle voci più prestigiose del panorama artistico mondiale, cambiando il significato di scultura, da oggetto da guardare a spazio per fare esperienza - space to experience, come recita il titolo dell’iniziativa - attraverso creazioni basate primariamente sulla forma umana o animale, la cui struttura organica è usata metaforicamente per esprimere una richiesta spirituale o filosofica.
Di qui una totale elasticità nell’uso dei materiali dal corten al bronzo all’alluminio ma anche corda, filati e grovigli di tessuti di iuta.

Nata nel 1930, Magdalena Abakanowicz nel 1965 ha vinto il Gran Premio alla Biennale di S. Paolo e nel 1980 ha rappresentato il suo Paese al Padiglione polacco della Biennale di Venezia.
Importanti gallerie e musei hanno ospitato le sue opere, tra i quali la Marlborough Gallery di New York, il Musée d’Art Moderne de la Ville di Parigi, il Museo National Reina Sofia, nel cui Palazzo di Cristallo è stata installata la serie de La corte di Re Artù, tra gli ultimi lavori dell’artista.

vedi L'artista in fuga dai nazisti e censurata dai comunisti
di Barbara Casavecchia

m.m.

_________________

VENERDI 3 APRILE 2009
alle ore 17 alla sede di A ORIENTE! in piazza Wagner 1, a Milano

FINISSAGE
Mustanbih: la tenda della poesia,il cammino dei versi
mostra a cura di Jolanda Guardi

Opere di:

Ra hmaArhlam, Elisabetta Arnaboldi, Valentina Balata, Benedetta Baracchi, Elisabetta Bevilacqua, Elisa Bolgeri, Cristina Brembilla, Valeria Crivello, Annalisa Di Benedetto, Cirstina Dozio, Alessandra Ferraro, Francesca Guescini, Laura Guglielmetti, Layla Joudé, Sara Lamperti, Simona Lazzaroni, Claudia Lunetta, Michela Messina, Maria Chiara Mirasole, Annelies Pauwels, Giulia Pezzato, Letizia Riccardi, Silvia Rigon, Donatella Santarsiero, Tania Sibiglia

Interventi di :

Giovanna Gelmi, poeta, conduttrice del laboratorio e Antonella Prota Giurleo, artista

Anna Schoenstein, direttrice Casa editrice A ORIENTE!

n.m.

____________

dal 24 marzo al 4 aprile 2009

Shizue Morioka

Alla sede dell'associazione culturale ARTE GIAPPONE, in vicolo Ciovasso 1, a Milano, viene presentata, dal 24 marzo al 4 aprile 2009, una mostra di calligrafia giapponese.
Quattro calligrafi, Shizue Morioka, Kouro Yonemoto, Renkei Hasewaga e Hokusai Akafuji, tutti provenienti dalla più grande associazione di calligrafia giapponese, quella di Sogen, espongono le loro opere.
L'arte orientale della scrittura Sho si esprime in pitture calligrafiche con significato filosofico poetico, basate sull'uso di due soli colori.
Nel comunicato che accompagna la mostra si legge che, attualmente, in Giappone alla scuola elementare e media si insegnano 1945 ideogrammi dei quali si apprende, oltre al modo di scriverli, anche "l'espressione" della loro scrittura; in questo modo chi, utilizzando l'inchiostro nero e i lunghi pennelli, scrive - dipinge matura una profonda conoscenza di sé.
Tra gli artisti che espongono una donna, Shizue Morioka, nata a Tokio, docente di calligrafia alla Scuola media annessa all'Università di Tukuba.
Il suo nome significa piccolo fiume ( nome Shizue) nel bosco ( Mori) e collina (Oka)
Una giovane donna le cui opere, ispirate a poesia, rimandano a una gentilezza e ad una sicurezza che si esplicita attraverso gesti e segni tracciati con competenza.
Shizue, richiesta di mostrare i suoi strumenti di lavoro, arriva con un astuccio di giunco contenente i suoi pennelli e si presta poi a mostrare l'abilità nella scrittura e nel disegno tracciando su ventagli bianchi immagini ( il sole e la luna, la montagna e il fiume) o parole ( felicità, amore, fiore). Al termine di ciascun lavoro con cura pone il suo timbro a firma dell'opera.
Tra le sue opere esposte un lavoro inconsueto: una trama di piccoli legni ai quali sono appesi piccoli biglietti recanti scritte in giapponese ( e una in italiano), fiori, pigne. Una piccola delicata opera che esplicita l'intensità di rapporto tra natura e cultura, elemento che spesso ritrovo nell'arte orientale.
Sarà un piacere tornare alla mostra per i work shop di calligrafia che si svolgeranno, dal 25 marzo al 4 aprile, alle ore 17 ( lunedì e festivi la mostra, che apre alle ore 14 e chiude alle 19, resterà chiusa). Pensare di partecipare ad un gruppo di calligrafia giapponese dal poetico nome di Seichoukai, ossia uccelli blu, dà l'idea di volare col pennello per tracciare sogni sulla carta. 

Antonella Prota Giurleo

n.m.

____________

Mercoledì 1 aprile 2009 - inaugurazione ore 12,30

MUSTANBIH: LA TENDA DELLA POESIA, IL CAMMINO DEI VERSI

Collettiva a conclusione del laboratorio di scrittura poetica creativa arabo-italiano a cura della Prof. Jolanda Guardi

Università degli Studi di Milano. Facoltà di Scienze Politiche Polo di Sesto SG, Aula T1, Piazza I- Montanelli, 1

Opere di: Rahma Arhlam, Elisabetta Arnaboldi, Valentina Balata, Benedetta Baracchi, Elisabetta Bevilacqua, Elisa Bolgeri, Cristina Brembilla, Valeria Crivello, Annalisa Di Benedetto, Cirstina Dozio, Alessandra Ferraro, Francesca Guescini, Laura Guglielmetti, Layla Joudé, Sara Lamperti, Simona Lazzaroni, Claudia Lunetta, Michela Messina, Maria Chiara Mirasole, Annelies Pauwels, Giulia Pezzato, Letizia Riccardi, Silvia Rigon, Donatella Santarsiero, Tania Sibiglia

Intervengono

  Giovanna Gelmi, poeta, conduttrice del laboratorio 

Antonella Prota Giurleo, artista

La mostra prosegue giovedì e venerdì dalle 15 alle 19 in piazza Wagner 1 presso A Oriente! –

Venerdì 3 aprile ore 17 finissage

ingresso libero

Un appuntamento alla casa editrice A Oriente! fissato dalla direttrice Anna Schoenstein tra lei, una sua collega e me. Un incontro con una docente di lingua araba, Jolanda Guardi, che mi fa tornare alla memoria un testo di Adrienne Rich che avevo trovato fondamentale nei miei anni di insegnamento, Prendere sul serio le studentesse. Studentesse che, a partire dall’idea delle Mu'allaqat, tradizione di poesia araba del VII secolo, hanno scritto in versi il loro sentire.
Il riferimento è ai poeti della "giahiliyya", così gli Arabi chiamano il periodo pre-islamico, prima cioè della nascita del Profeta. Jolanda e Anna mi spiegano che la tradizione vuole che il nome Mu'allaqat, "le Appese", si riferisca al fatto che i testi scritti ("con lettere d'oro", specifica Goethe nel suo Diwan) di queste poesie sarebbero stati appesi, per la loro particolare bellezza, nella Ka'aba. 
Le Moullaq’at, anticamente scritte sulle ossa di cammello (la scapola, preferibilmente, perché larga e piatta) o su foglie di palma, avevano contenuti ben precisi: l’elogio di se stessi, lo spregio nei confronti di una persona appartenente ad un’altra tribù e altri temi. A partire da questi le ventitre studentesse hanno elaborato pensieri, forme e tecniche utilizzando come supporto per la scrittura foglie rubate agli alberi cittadini o a piante della campagna.
E il risultato è davvero affascinante: le foglie, a differenza dei fogli, generalmente rettangolari, hanno forme diverse, forme che risultano stimolanti e che richiedono adattamenti particolarmente creativi. Così la scrittura può seguire il contorno e l’arabesco può nascere dalle nervature, in una relazione feconda tra espressione creativa e forma naturale. Gioielli questi lavori poetici su foglie, gioielli le giovani studentesse che li hanno creati e le docenti che le hanno sostenute e consigliate. Una preziosità di progetto e di lavoro che suggerisce una sintonia con una suggestione: l’idea che il nome delle “appese” non derivi solo dalla consuetudine di appendere i testi ma anche dalle gemme appese ad una collana. Una sintonia che si ritrova anche nell’assonanza tra la parola foglia e la parola foglio, sia in lingua italiana che araba (waraq) che in altre (in spagnolo hoja significa sia pagina che foglia).
                                                  Antonella Prota Giurleo

m.m.

_____________
28 marzo - 21 aprile 2009

ARTE E FOLLIA
Mail art e dintorni


presso la sede di Via Matteotti 11
Orari: Martedì - Giovedì - Domenica dalle 9.00 alle 12.00
a cura di Giuseppe Denti, Giulia Formenti e Lavinia Tonetti
Testo introduttivo di Giulia Formenti
Inaugurazione: Sabato 28 marzo 2009 ore 17.00
E-mail pdlimbiate@gmail.com Sito: www.pdlimbiate.it

ARTISTI: Vittorio Baccelli Celeste Baraldi Giovanni Bonanno Adriano Bonari Claudio Bonvini Anna Boschi Maurizia Carantani Lamberto Caravita Bruno Cassaglia Vannetta Cavallotti Daniel Daligand Giuseppe Denti Nicola Denti Marcello Diotallevi Eman MariaPia Fanna Roncoroni Mavi Ferrando Luc Fierens Eliana Galvani Elke Grundmann Guerra & Paolo M. H. W. Hornschuh R. &. D. Kamperelic Ruggero Maggi Henning Mittendorf Emilio Morandi Elisabetta Oneto Mari Jana Pervan Franco Piri Foccardi Giancarlo Pucci Raffaele Romano Anna Santinello Mariuccia Secol Giovanni Strada Studio Zelig Dany Tomasini Vellucci - Maturro Piero Viti

n.m.

____________

Arte e ambiente: le segnalazioni di Antonella Prota Giurleo

aprile/giugno 2009

Tre artiste in tre diverse parti del mondo, accomunate dall'attenzione per la natura e per la risorsa acqua.
Kamela Berg, israeliana, Pirjo Heino, finlandese ed Ellen Shon, statunitense, hanno progettato una mostra, che sarà presentata nei paesi di origine, sul tema dell'acqua.
Un intervento artistico per ribadire l'importanza dell'acqua per l'esistenza umana.
Kamela Berg ha realizzato un filmato "una strada per il mar morto", Ellen Shon un'installazione di tazze da acqua vuote, in plastica, Pirjo Heino ha chiesto ad amiche e amici artisti di tutto il mondo di inviarle foto d'acqua con le quali ha realizzato la sua installazione. Le foto saranno poste in vendita ed il ricavato sarà devoluto a un'associazione che si occupa di proteggere la risorsa acqua.
Le opere saranno esposte alla Nave Gallery di Boston, negli Stati Uniti nello stesso periodo in cui si svolgerà la conferenza Trans Cultural Exchange sul tema Opportunità internazionali in arte. L'inaugurazione della mostra avverrà il 2 aprile 2009.
http://www.artsomerville.org/nave/2009/waterfall.html
Dal 2 giugno l'esposizione Waterfall sarà esposta per un mese alla galleria d'arte Ripustus, in Finlandia www.ripustus.fi
e, più tardi, a Tel Aviv, in Israele.
http://www.artsomerville.org/nave/2009/waterfall.html

n.m.

____________

dal 17 marzo all'8 aprile 2009

Rosa Shocking

BIBLIOTECA GALLARATESE
Via Quarenghi, 21 Milano
Orari: da lunedì a venerdì  9.30 –  21.30,  mercoledì mattina chiuso;
sabato 9.30 – 19.30.

Collettiva a cura di Antonella Prota Giurleo
Testo di Anna Aurenghi
in collaborazione con l'Associazione di donne Galassia

Artiste: Patrizia Di Siro, anna Rosa Faina gavazzi, Gretel Fehr, Luigia Introini, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Antonella Prota Giurleo, Giancarla Ugoccioni,  Maria Grazia Zanmarchi

Inaugurazione: martedì 17/03/2009 ore 17.30 mostra e presentazione libro d’artiste;
     per la Civica Scuola di musica di Corsico, Francesca Bongiorni eseguirà al violoncello la suite n.4 di J.S.Bach;
     buffet a cura dell’associazione di donne Galassia

Assetate d’amore, come le piante da fiore a Giugno chiedono l’acqua.
Tenere come piccole rose selvatiche, dolci come rose giàaperte, sfatte come rose sfiorite ma disperatamente profumate.
Offriamo gioia noncuranti del dolore e vita noncuranti della morte.
Disposte a tutto, per un affetto sincero…anche a chiudere la verità nel cassetto più alto dell’armadio e non guardarci più dentro.
Tutta la vita per un abbraccio…un abbraccio Rosa Schocking.
                                                                            Anna Aurenghi

L’ associazione di donne Galassia presenta una mostra di artiste contemporanee che hanno elaborato nel loro lavoro il tema dell’appartenenza al genere femminile.
Patrizia Di Siro riprende fotograficamente, in bianco e nero, fiori di mezza età, che restituiscono il senso della bellezza anche nello sfiorire.
anna Rosa Faina gavazzi presenta l’opera peccato!
Gretel Fehr gioca ironicamente con il tema dello specchio al quale chiedere: “Specchio, specchio delle mie brame, come sta Venere nel reame?” . Lo specchio rispecchia, lasciando a chi osserva la risposta.
Luigia Introini propone tre immagini in bianco e nero  della serie Mettere al mondo il mondo,  indagine fotografica sulla maternità, tema caro all’artista
Nadia Magnabosco prende spunto dalla fiaba di  Cenerentola per porre una domanda: Cenerentola vorrà veramente sposare il principe o forse teme che la bella scarpina possa nascondere qualche spina?
Marilde Magni presenta l’abito da volo di Phurì Bibi, la Vecchia Zia che, invisibile, vola sopra il mondo per proteggere i Gitani. Il suo abito da volo è un fragile intreccio di carte geografiche, simbolo delle infinite strade che percorre.
Antonella Prota Giurleo interpreta liberamente, anche attraverso l’utilizzo di materiali ecocompatibili e di recupero,  la relazione  con la Madre Terra e la necessità vitale della sua sopravvivenza.
Giancarla Ugoccioni fotografa donne di ieri, incontrate, ricordate, testimoni di gesti antichi e di riti quotidiani,  in contatto profondo con il ciclo vita – morte - vita
Maria Grazia Zanmarchi racchiude nelle stoffe brandelli e spirali di emozioni che imprigiona poi nel gesso che immobilizza i percorsi emotivi tracciati per racchiuderli in un abbraccio bianco, come grande silenzio.

Viene presentato anche Rose d’arte, di musica e di poesia, libro d’artiste elaborato per rendere visibile il legame tra le arti interpretate da donne.
Le artiste che hanno interpretato il tema proposto sono:  Elisabetta Baudino, Giuliana  Bellini, Leci Maria Bohn, Mariuccia Carboni, Mara Caruso, Lella Corvi, Eleonora Cumer, Gretel Fehr, Mavi Ferrando, Clara Figueira, Silvana Gatta, Graziella Gola, Luigia Introini, Silvia Lissa, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Elisa Mazza, Veronica Menni, Antonella Prota Giurleo, Mara Radè, Dianella Stabilini, Neusa Thomè, Maristela Winck, Maria Grazia Zanmarchi.

m.m.

___________ 

DOMENICA 15 MARZO 2009
dalle ore 10,30 alle ore 13.00
nello spazio del teatro Off Bollate
alla fiera
FA' LA COSA GIUSTA

si svolgerà un incontro sul tema
RECUPERO, RICICLO ED ECOCOMPATIBILITA' NELL'ARTE CONTEMPORANEA

Interventi visivi e verbali di
Patrizia Di Siro, Gretel Fehr, Simonetta Ferrante, Ornella Garbin,
Gianni Maffi, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, FrancoMarongiu, Elisa Mazza, Giorgia Sormani, Maria Grazia Zanmarchi

Introduce e coordina
Antonella Prota Giurleo

L'ingresso alla Fiera è da Porta Scarampo, metropolitana Lotto;
il costo del biglietto è di € 5,00;
l'entrata al teatro è dal padiglione 2, seguendo l'indicazione "area incontri".

Per qualsiasi informazione sulla fiera e sul programma
consultare il sito www.falacosagiusta.org

n.m.

____________

dal 4/3/09 al 25/5/09

Annette Messager
The Messengers



The hayward, Southbank Centre, Belvedere Road, SE1 8XZ, London

The Hayward presents the first major UK retrospective of Annette Messager, widely regarded as one of Europe's most important artists. The exhibition, Annette Messager: The Messengers, traces the development of Messager's work over the last four decades, from the intimate pieces of the early 1970s to the large and visually stunning installations of the past 15 years, including part of Casino, the Pinocchio-inspired sumptuous red and black silk spectacle for which Messager won the Golden Lion Award at the 2005 Venice Biennale. Messager takes every day objects and materials such as soft toys, stuffed animals, fabrics, wool, photographs, words and other media and transforms them to create extraordinary artworks. The themes Messager examines are as wide-ranging as the materials she uses; from self-identity, sexuality and the body, to explorations of life and death, good and evil, and human and animal. At times humorous and playful, at times frightening and morbid, her works are characterised by a mixing of differing perspectives, challenging the viewer to look at the world anew and confront the fears and fantasies that lie beneath the surface of daily life. The exhibition was initially shown at the Centre Pompidou, Paris in 2007 where it attracted a record number of visitors and has since travelled to the Espoo Museum of Modern Art in Finland, the National Museum of Contemporary Art in Korea and the Mori Art Museum in Japan

n.m.

____________
dall'1 all'8 marzo 2009

ALT-ilcorpoèmio

Villa Casati - Sala Mostre
Via Mazzini, 9 - Cologno Monzese

 

Rivisitando l’antico slogan di battaglie vinte, ‘il corpo è mio e me lo gestisco io’ si è riformulata la  frase emblematica
Alt-ilcorpoèmio.
Vorremmo non vedere più sfregi sulle labbra delle donne, vorremmo non aver più pugnalate nel   ventre, vorremo viaggiare con il nostro corpo, al sole o di notte, senza avvoltoi nel cielo che sibilano.

Donatella Airoldi

inaugurazione domenica 1 marzo ore 11

interventi di   Mario Soldano, Sindaco di Cologno Monzese
Giovanni Cocciro, Assessore alla Cultura
Donatella Airoldi, Critica

orari: da lunedì a venerdì 16 - 18,30
sabato e domenica 10 - 12; 16 - 18,30

n.m.

_____________
  27/28 febbraio 2009

PROSPERO’S LIBRARY
OR THE ELEMENTS AND ORIGIN OF MYTHS
progetto design–studio TRIANGULAR WHEEL

marilde magni

ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI CATANIA
Palazzo Vanasco 
Via Vanasco 9, 95129 Catania
orari 10.00/13.00 – 16.00/19.30

Curatori: Mikhail Pogarsky ▪ Evelina Schatz ▪ Gillian McIver
▪ Anna Guillot

ente sostenitore in Sicilia Accademia di Belle Arti di Catania (Italia)
organizzazione generale Triangular Weel design–studio, Krasnogorsk (Russia)  
organizzazione in Sicilia KoobookArchive, Catania (Italia)

ABOUT PROSPERO – Aspetti e implicazioni della ricerca artistica contemporanea
Convegno, presentazione del progetto, introduzione alla mostra: 27 febbraio 2009
ore 10.00: interventi
▪ Prof. Carmelo Nicosia (Direttore Accademia Belle Arti, Catania)
Apertura dei lavori.
▪ Prof. Mikhail Pogarsky (ideatore e curatore progetto “Prospero’s Library”, Krasnogorsk)
Art-Project Prospero’sLibrary.
▪ Prof.ssa Evelina Schatz (teorica delle arti, co-curatrice, Mosca-Milano)
La moltiplicazione dell’Io o il multividuo.
▪ Prof.ssa Anna Guillot (docente di Installazioni multimediali, Accademia BB.AA.)
Il libro d’artista contemporaneo come luogo d’azione multi e inter-mediale.
▪ Prof. Giuseppe Gaeta (docente di Antropologia culturale, Accademia BB.AA.)
Mito, Rito, Performance. Note di metodo e di merito.
▪ Prof. Stephen D. Conway (docente di Lingua inglese, Accademia BB.AA.)
Reading, note e riflessioni su La Tempesta di William Shakespeare.
▪ Prof. Umberto Naso (docente di Scenografia, Accademia BB.AA.)
  Migrazioni: Strehler e Greenaway. Dal testo allo spazio della rappresentazione.
ore 12.30
“Sopra a tutto Shakespeare”, videoperformance di Evelina Schatz.

artisti
Alvaro ▪ Anna Spagna ▪ Joel Cahen ▪ Rodion Chernievskiy ▪ Fiorella Corsi▪ Jon Fawcett ▪ Fernanda Fedi ▪ Mavy Ferrando ▪ Claudio Granaroli ▪ Anna Guillot ▪ Mikhail Karasik ▪ Dario Kavara ▪ Jessica Kolokol ▪ Aleksandr Lavrentev▪ Aleksey Malcev ▪ Hilde Margani-Escher ▪ Marilde Magni ▪ Margherita Mariani ▪Max Marra  ▪ Nèlida Mendoza ▪ Gillian McIver ▪ Bruno Niver ▪ Mauro Olgiati ▪ Mikhail Pogarsky ▪  Ima Picò ▪ Irina Presnetsova ▪ Julian Ronnefeldt ▪ Evelina Schatz ▪ Giovanni Schiavocampo ▪ Vladimir Smolyar ▪ Stefano Soddu ▪ Fausta Squatriti ▪ Aleksandr Strojlo ▪ Aleksandr Svirsky  ▪Andrei Suzdalev ▪ Nazir Tanbouli ▪ Gunel Yuran  

Allievi Accademia BB. AA. Catania ▪ Biennio specialistico Progettazione Artistica per l’Impresa
Valentina Adamo ▪ Danilo Cantaro ▪ Irene Catania ▪ Cristina Tappeti ▪ Lucia Santonoceto 

  “PROSPERO’S LIBRARY or the Elements and Origin of Myths”, progetto TRIANGULAR WEEL design-studio (Krasnogorsk, Russia) a cura di Mikhail Pogarsky, Evelina Schatz, Gillian McIver, Anna Guillot è sostanzialmente una mostra d’arte contemporanea di libri d’artista che nella originale versione russa ha coinvolto un centinaio di autori internazionali anche con operazioni multimediali, installative, performative e video.
L’evento catanese, su scala ridotta sul piano espositivo – 34 artisti e una piccola selezione di studenti dell’Accademia di Belle Arti di Catania – include la videoperformance “Sopra a tutto Shakespeare” di Evelina Schatz, e si propone come momento di riflessione e dibattito su importanti aspetti e implicazioni della ricerca artistica contemporanea.
La rassegna-evento, concepita in coincidenza con il 444° anniversario della nascita di William Shakespeare, tra il 2007 e il 2008 è stata presentata in Russia presso alcune prestigiose sedi istituzionali (Museum Zverevskiy Center of Contemporary Art, Mosca; Central House of the Artists, Mosca; Gallery Yasnaja Poiana, Tulia (già casa Tolstoj); A.A. Block Museum, Shahmatovo; VI Festival of Experimental Art, San Pietroburgo; etc.). Come previsto dai curatori, con Catania ha inizio il suo tour all’estero che al momento prevede le tappe di Milano e Londra.

Il progetto Prospero’s Library nasce come riflessione sulle “problematiche del mito” riferite al tempo presente. Nel concept del progetto Mikhail Pogarsky osserva: «Viviamo in un’epoca in cui la mitizzazione della coscienza ha raggiunto livelli macroscopici. Da una parte tecnologie pubblicitarie e propaganda mass mediale, dall’altra il corpo incustodito della Network Culture con le sue innumerevoli, ovvie e implicite mistificazioni, reality-games e provocazioni. Viviamo in un’epoca in cui molto spesso non riusciamo a distinguere la realtà dalla finzione. E se questa supera la realtà, allora si apre la questione della qualità della finzione, dei suoi vantaggi etici ed estetici.» […] «In questo contesto – continua l’autore del progetto – la figura di William Shakespeare assume particolare rilievo in quanto tanti sono i miti creati intorno alla sua figura e tante le storie senza tempo prodotte dallo stesso. Ben lungi dal voler risolvere la “questione shakespeariana”, vogliamo soltanto prendere questo grande poeta come punto di avvio del nostro progetto. […] Altro punto di riferimento è il film di Peter Greenaway “Prospero Books”. Greenaway ha dato vita all’idea di una biblioteca universale, nutrendo dei motivi de “La Tempesta” di Shakespeare il mondo intero nella sua dimensione spazio-temporale.» […] «Prospero’s Library invita artisti, poeti, performer e musicisti a unirsi nella creazione reale di una simile biblioteca. Partendo da Shakespeare o, al contrario, avvicinandoci a lui, daremo vita a un micro mondo che includerà libri, performance, video, film d’animazione e altro. Non intendiamo “rivisitare” la poesia shakespeariana ma piuttosto attuare una sorta d’”improvvisazione jazz” sui suoi temi creativi.» […] «Può darsi che Shakespeare rimanga nel progetto soltanto citazione, riferimento storico, semplice fonte di dati. Della sua enorme eredità, prendiamo soltanto un piccolo frammento riguardante i libri di Prospero proponendoci di realizzarli concretamente. Proponiamo di ricreare i miti originari attraverso questi libri. Il tema di ciascun libro può essere limitato soltanto dalla nostra coscienza. Così i libri di Acqua, Terra, Fuoco, Aria, Colpa, Neve, Coscienza, Spazio etc., appaiono ora in questa biblioteca…». 

Indiscutibilmente attuali e urgenti, i temi che Mikhail Pogarsky solleva per voce di Shakespeare e poi di Greenaway forniscono un energico input agli autori di Prospero’s Library chiamati a riflettere sulla condizione odierna – in particolare su quel crinale dove è pressoché impossibile distinguere tra realtà e finzione – per contribuire alla edificazione di una biblioteca universale estesa nello spazio e nel tempo. Così, tanto la selezione di opere “in forma di libro” quanto la tagliente esibizione dal vivo su video di Evelina Schatz realizzano uno spaccato esemplare di ciò che il propositivo progetto Prospero ha sviluppato nella ve

Per l’occasione è stato realizzato il catalogo multimediale Prospero’ Library – Triangular Weel #5, edito da Triangular Weel design-studio, Krasnogorsk. L’edizione, in lingua inglese e russa, è interamente a colori e consta di 200 pagine. Su supporto dvd sono documentate le operazioni video e performative di alcuni artisti. La pubblicazione si vale degli interventi di carattere saggistico di Mikhail Pogarsky, Gillian McIver, Mikhail Karasik e Evelina Schatz. Oltre alle riproduzioni delle opere e alle schede biografiche degli artisti, l’edizione riporta l’integrazione riferita all’attuale mostra catanese e alla successiva tappa di Milano. 

m.m.

______________

dal 20/2/09 al 24/5/09

KIKI SMITH

Fundacio Joan Miro' - Parc de Montjuic s/n - Barcelona - Spagna

The Joan Miró Foundation will be presenting Her memory, an exhibition by Kiki Smith organised in collaboration with the Museum Haus Esters in Krefeld and the Kunsthalle Nuremberg, containing recent work by this US artist. It could in fact be called an exhibition in progress, since it has been enlarged at each venue before reaching the Foundation, which is the end of its tour.

Kiki Smith was born in Nuremberg in 1954 into an artistic family: her mother was an opera singer and her father was the artist Tony Smith. Her work is characterised by a constant reflection on human existence and on life and death; and her drawings of the human body, which are both traumatic and poetic, brought her international recognition at the end of the 1980s. In 2006-2007, the Walker Art Center in Minneapolis and the Whitney Museum in New York organised a touring retrospective exhibition, "Kiki Smith: A Gathering, 1980-2005", which signalled the end of a period.

In the installation she will be showing at the Joan Miró Foundation, the artist reflects on woman's life cycle, from birth to death, and its relation with the creative cycle: growing up, sources of inspiration, achievement and the end of the road.

Her memory, a unique work of art in itself, is a space for reflection and poetry that continues the characteristic style of Kiki Smith's recent work - somewhere between craft and naïve art - with numerous iconographic references that the artist appropriates and transforms, such as the classical representations of the life of the Virgin Mary, or more ancient mythical figures such as the sibyl, and more modern ones like the suffragettes of the 1920s.

The artist expresses this in various genres and media: sculptures made from porcelain, plaster and bronze are combined with large-format drawings, prints, stained glass, transformed pieces of furniture, painting on mirrors and mural paintings.

With all these, Kiki Smith creates a unique space with a strong visual and poetic charge that cannot fail to make an impact on visitors.

n.m.

______________

fino al 23 maggio 2009

EMMA CIARDI . Impressionismo veneziano

Museo Nazionale di Villa Pisani, Stra (Venezia)
22 febbraio – 23 maggio 2009
Orario: dal 22 febbraio al 31 marzo dalle 9.00 alle 16.00, quindi dalle 9.00 alle 19.00; chiuso il lunedì

Emma Ciardi, che ha spesso passeggiato, fotografato (come molti pittori del suo tempo usava la fotografia come strumento di lavoro per fissare luci e tagli prospettici) o fatto veloci schizzi dal vero nel magnifico parco di Villa Pisani, vincitore del premio "Parco più bello d'Italia 2008", torna cent'anni dopo a
raccontare il suo Settecento con ville e giardini popolati di damine e cavalieri in
un colorito svolazzare di sete cangianti che, nelle differenti gradazioni di verde,
danno vita, in ogni dipinto, ad una festa per gli occhi.

vedi Emma Ciardi, una impressionista veneziana di Silvia Menetto

m.m.

_____________

20 febbraio 2009 ore 18.00-20.00

Finissage della mostra

CURA: UN'ESPERIENZA ARTISTICA CONTEMPORANEA

Incontro con le artiste e la curatrice Valeria Vaccari.
Francesca Contini leggerà alcuni brani dal libro di Ada Celico "Una casa di carta per mia madre".

Spazio dell'Unione Femminile, Corso di Porta Nuova 32, Milano
Orari: ore 11.00-19.00
Ingresso: libero
Mezzi pubblici: MM 2 fermata Moscova; MM3 Turati; bus 43, 94

Artiste: Zina Borgini, Maria Amalia Cangiano, Marilù Cattaneo, Mavi Ferrando, Anna Finetti, Nadia Magnabosco, Marilde Magni, Sandra Mazzon, Elisabetta Pagani, Antonella Prota Giurleo, Lucrezia Ruggieri, Celina Spelta.

Curatrice: Valeria Vaccari

La mostra "Cura: un'esperienza artistica contemporanea" si lega intimamente al convegno e invita a riflettere visivamente sull'ambiguità del rapporto sano-malato, sulla componente psicologica che lega le generazioni di donne e uomini che si susseguono nell'accudimento dei propri cari, dalla nascita alla morte.
... Il tema della memoria e del ricordo è centrale nel lavoro delle artiste, la sua perdita è scongiurata idealmente attraverso l'arte. Il linguaggio della cura è fatto di gesti e di silenzi, di intuizione emotiva e di domanda: l'arricchimento interiore avviene attraverso la relazione, frammentata e sofferta ma ugualmente autentica. " ( Valeria Vaccari)
La mostra è elemento importante all'interno dell'evento L'arte della cura. Il convegno affronta in modo interdisciplinare e nuovo il tema della cura delle persone anziane e degli adulti non autosufficienti e si rivolge ai protagonisti e alle protagoniste della cura con un approccio multidisciplinare per un punto di vista inedito, scientificamente fondato.

Inaugurazione e visita guidata: sabato 14 febbraio, ore 14.30-15.30 con le artiste e la curatrice

Organizza: Associazione Blimunde - sguardi di donne su salute e medicina
Patrocinio e contributo: Consiglio Regionale della Lombardia
Patrocini: Comune di Milano Assessorato alla salute, ASL Milano

Contatti: Eleonora Cirant, tel. 3492542205
Informazioni:: tel. 02/6572269 (Unione Femminile Nazionale) artedellacura@blimunde.it

vedi locandina convegno

vedi locandina e opere in mostra

www.blimunde.it

n.m.

______________

Arte e ambiente: le segnalazioni di Antonella Prota Giurleo

dal 5 all’8 marzo 2009

Tri-ciclando
installazione di Loriana Castano, Simonetta Ferrante e Cristina Pavia

Officinaarte, Via Cantonale 17, Magliaso, Lugano

Officinaarte ospita, per il breve tempo di una fine settimana, un’ installazione di Loriana Castano, Simonetta Ferrante e Cristina Pavia, tre artiste che spesso lavorano insieme usando materiale riciclato per i loro lavori artistici. L'argomento è molto attuale in questi tempi di recessione, di sprechi e inquinamento.

inaugurazione giovedì 5 marzo ore 19.30
apertura sabato e domenica dalle 14 alle 17

LORIANA CASTANO è un’artista che s’interroga sulla forma essenziale, utilizzando a volte per i suo lavori frammenti riciclati che lega o cuce. Ha creato così una “ragnatela” con fili colorati e aggrovigliati, resti ritrovati di un vecchio lavoro, in cui un minuscolo ragno tentava di nascondersi, simbolo di un essere immaginario.

SIMONETTA FERRANTE usa frammenti originali, scarti di incisioni, di monotipi e di calligrafie, per comporre sulla tela dei collages tridimensionali. Il gesto che usa per i suoi segni si trasferisce in questo caso nel gesto di posizionare e di incollare questi frammenti. Dalla foto di uno di questi collages è nata l'idea di stamparla su uno shopper, borsa di tela nera che viene esposta nell'installazione: un ulteriore riciclo.

CRISTINA PAVIA parte da un sogno per creare i "fagotti".
Sceglie di usare tessuti e corde usati e trasformati dal tempo per trasmettere quella bellezza umana che nasce dai cicli e dai ri-cicli del vivere.
Cristina crede che nel momento attuale solo il riciclo della coscienza può aiutare a produrre cambiamento nell' equilibrio del pianeta.

tel. 606 46 02/ 079 234 63 11 info@officina-arte.ch - http://www.officina-arte.ch

n.m.

______________

Venerdì 13 febbraio alle ore 17

    Finissage de
La moderna letteratura indiana ispira l'arte
presso

   Casa Editrice A Oriente!
  Piazza Wagner 1.  Milano

   saranno presenti
       Anna Schoenstein, fondatrice e direttrice di A Oriente
      il critico Roberto Borghi,
 la traduttrice del testo, Alessandra Consolaro
e l’artista Antonella Prota Giurleo

n.m.

___________

prorogata fino al 30 marzo 2009

Séraphine de Senlis

Humble femme de ménage, de son vrai nomLouis Séraphine de Senlis est dévorée par l'envie de peindre, cette fameuse nécessité intérieure dont parlait Kandisky , à propos de tout artiste gagné par le vrai désir de création. Or c'est dans cette ville de Senlis, où baigne encore un climat gothique, que l'esthète et collectionneur allemand   Wilhelm Uhde découvre le talent et la personnalité de celle qui était sa femme de ménage. Uhde est stupéfait par la puissance, l'ampleur et surtout l'intensité qui se dégage des compositions florales peintes par Séraphine. Si elle rejoint la famille des peintres primitifs par la manière dont on la désigne, sa peinture entre elle aussi dans ce monde étrange du primitivisme. Uhde voit dans ses oeuvres l'expression du primitivisme moderne, c'est-à-dire la puissance de représenter le monde de l'inconscient libéré de toute école, de tout académisme ou de toute filiation.

vedi Séraphine di Laura Putti

   m.m.

______________

26 gennnaio 2009

Testimoni silenziose
Mostra itinerante sulla violenza di genere approda a Strasburgo

Il progetto Testimoni silenziose nasce nel 1990 negli Stati Uniti con l'obiettivo di ricordare le donne uccise dai loro compagni, mariti, padri. Ideato da un gruppo di donne artiste e scrittrici, insieme ad alcune organizzazioni contro la violenza, il progetto consiste in una mostra itinerante di sagome di donne, chiamate appunto "testimoni silenziose": ogni sagoma ricorda una donna uccisa e porta sul petto il suo nome, l'età, da chi e quando è stata uccisa.

La campagna, diffusasi a livello internazionale, si propone di sensibilizzare la collettività sul drammatico problema del femminicidio e della violenza di genere. L’impressionante serie dei profili muti delle donne uccise ne denuncia l’assenza: sebbene siano “silenziose”, le testimoni urlano allo spettatore la loro storia e lanciano un messaggio d’allarme alle istituzioni affinché adottino azioni concrete per proteggere le donne vittime di violenza familiare.
La Casa delle donne per non subire violenza ha aderito alla Campagna internazionale delle Testimoni silenziose nel 2005 e nel 2008 ha riproposto la mostra in una nuova versione nell’ambito della terza edizione del Festival La violenza illustrata, organizzato in occasione del 25 Novembre – Giornata internazionale contro la violenza sulle donne. La mostra è stata allestita presso l’Urban Center di Bologna, al terzo piano della Sala Borsa, e tenuta aperta al pubblico dall’11 al 26 novembre 2008.
In occasione della celebrazione del 60° anniversario della costituzione del Consiglio d'Europa, la mostra è stata esposta dal 26 gennaio 2009 presso la Hall Principale del Consiglio d’Europa, a cura dell’Istituto Italiano di Cultura e con il patrocinio di Maud de Boer-Buquicchio, Segretario Generale Aggiunto del Consiglio d ’Europa.
Le sagome, realizzate in alluminio e polietilene, ritte in piedi sul loro piedistallo, raccontano la storia delle donne di cui portano il nome, tutte assenti e mute, tutte vittime della violenza maschile nel corso del 2007 in Italia, come documenta la ricerca sul femminicidio realizzata dalla Casa delle donne.
Dotate di adesivi removibili per i nomi, le sagome continueranno a raccontare ogni anno la storia delle donne vittime della violenza maschile.
La Casa delle donne di Bologna mette a disposizione a mostra per comuni, centri e associazioni che volessero allestirla.

Si prega chi fosse interessato di contattare la Casa delle Donne (Ufficio Promozione) :
Tel 051-333173 - Fax 051-3399498

n.m.

______________

martedì 27 gennaio ore 18 

TRACCE URBANE

di Katia Dilella e Daniela  Novello  

presentazioni di Martina Corgnati e Angela Madesani

Quintocortile - Viale Col di Lana 8 - 20136 Milano  

 Katia Dilella 

"Katia Dilella presenta in questa occasione una serie di dipinti recenti (2008) dedicati a mezzi pubblici, metropolitane, autobus, treni. sempre deserti ma impregnati di tracce del passaggio delle persone, questi "luoghi", ben noti e riconoscibili per l'utenza milanese, rivelano una minuta attenzione al particolare ma anche uno spirito intensamente malinconico, che si riflette nei tagli fotografici ripresi a memoria e come distanziati dal segno tagliente, e nella prevalenza di toni spenti o grigi improvvisamente accesi da un particolare colorato: un seggiolino di plastica, un vetro appannato su cui qualcuno ha scritto col dito il proprio nome o quello della fidanzata, un contenitore di rifiuti. la pittura di Katia Dilella vuole riflettere sul presente senza perdere di vista nessuna delle specificità del proprio linguaggio" (Martina Corgnati) 

 Daniela  Novello 

"Non mi pare forzato dire che l'installazione preparata per questa occasione, la mostra al Quintocortile, ha un taglio sociale. Trovo interessante accostare una tecnica antica come la scultura del marmo con un pensiero come quello che sottende al nuovo lavoro.
Un pensiero strettamente connesso all'idea di installazione spaziale che cambia scala ai suoi lavori dell'ultimo periodo.
Quella alla quale qui vuole dare vita è la situazione di abbandono che si viene a creare quando nelle città o nei paesi, nelle prime ore del pomeriggio, i mercati rionali finiscono, i bottegai iniziano a sbaraccare, a preparare i loro bagagli, a caricare i camion e abbandonano le cassette che non gli servono più sulla strada". (Angela Madesani)

orario: da martedì a giovedì dalle 17,00 alle 18,30  (o su appuntamento tel. 338.8007617 - fino al 17 febbraio)

   m.m.

______________

inaugurazione 21 gennaio 2009

                                                                                                           m.m.

_________________

fino al 18 gennaio 2009

"Indiana"

reportage fotografico di Laura Salvinelli
su Sewa, il più grande sindacato di lavoratrici autonome indiane

Palazzo Incontro
Via dei Prefetti
Roma

vedi Indiana di Marina Forti

                                                                                                    m.m.

________________

fino al 18 gennaio 2009

MAYA LIN

Systematic Landscapes

De Young Museum

San Francisco, USA

"Systematic Landscapes is a major exhibition of new sculptures, drawgs, and installations by artist Maya Lin in recent years, lin has focused on a reconsideration of landscape in a time of ecological tension and changethis body of work engages the issue of our fragile connection to the environment in timely and poetic ways"

m.m.

Segnalazioni artistiche 2008
Segnalazioni artistiche del 2007
Segnalazioni artistiche del 2006
Segnalazioni artistiche del 2005
Segnalazioni sulla Biennale di Venezia 2005
Segnalazioni artistiche del 2004
Segnalazioni artistiche dal settembre al dicembre 2003
Segnalazioni artistiche dal marzo all'agosto 2003